No habrá entradas de cine por un tiempo. Lo lamento. Pero pondré el trailer de películas que recomiendo cada semana.
Mi décima película favorita.
Chinatown. (1974)
Dirigida por: Roman Polanski.
Escrita por: Robert Towne
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domingo, 13 de julio de 2014
Número 10
Por DaCinemaCritic.
No habrá entradas de cine por un tiempo. Lo lamento. Pero pondré el trailer de películas que recomiendo cada semana.
Mi décima película favorita.
Chinatown. (1974)
Dirigida por: Roman Polanski.
Escrita por: Robert Towne
No habrá entradas de cine por un tiempo. Lo lamento. Pero pondré el trailer de películas que recomiendo cada semana.
Mi décima película favorita.
Chinatown. (1974)
Dirigida por: Roman Polanski.
Escrita por: Robert Towne
domingo, 6 de julio de 2014
Another brick in the Wall
Por DaCinemaCritic
Cada cierto tiempo, el mundo nos provee a nosotros los mortales de genios, y, sean o no comprendidos, siempre disfrutamos de sus trabajos, en la ciencia, la tecnología y en el arte, cualquiera que sea su rama. Los genios nunca pasan desapercibidos, y cada que realizan algo, la noticia retumba en los confines del planta, incluso si son un público muy específico. Y todo el mundo está de acuerdo con eso.
Sin embargo, más allá de los genios, que son contados, está el trabajo del resto. No resuena en todos lados, pero lo disfrutamos igual, o incluso más. Muchas veces son trabajos mejores, con una mayor estructura y sentimiento, y aunque quizá no dan un resultado tan espectacular, el esfuerzo (que es mucho) vale la pena.
Pero el concepto de genio se va perdiendo con el tiempo, y aunque antes se requería de un pensamiento o una idea original y única, ahora un genio puede ser cualquiera que tenga una buena idea. Y me parece mejor así; personas que quizá tuvieron que esforzarse mucho más que otras, tienen obras que todos disfrutamos, y cuyo calor, el cariño y el cuidado con el que se realizó el trabajo, se nota.
Por ejemplo, el señor George R. R. Martin. Sus trabajos son, por mucho, los más importantes de la literatura fantástica moderna, y la traducción de su Magnum Opus, Game of Thrones, para la televisión, es disfrutada por casi todos, una verdadera joya de la televisión y la ficción en general. No obstante, hemos de admitir que no es un genio.
Grandes fragmentos y puntos importantes de sus libros están tomados de la historia real, como la Guerra de las Rosas, la civilización de Bizancio, y la cultura medieval; el trabajo de Song of Ice and Fire refleja poca creatividad... pero es magnífico. La fusión de todos estos elementos es muy orgánica y natural, y el verdadero núcleo del trabajo, los horrores de la guerra, se mantiene mejor que la mayoría de las películas bélicas de hoy en día.
Otra es la sobreestimación de los individuos. Mi ejemplo favorito de ésto es el escritor Haruki Murakami. Murakami es un escritor medianamente decente, pero admitámoslo, sus libros no son tan especiales. En realidad son más o menos malos. Son como un animé, pero con elementos Occidentales, y ya. Organizaciones de asesinos, personas solitarias, gente loca... pshé. Y luego le adjudican surrealismo a simplemente ser ridículo.
Y es culpa de estos individuos por los que se subestima a otros. Por ejemplo, Phil Lord y Christopher Miller. Sus dos películas animadas son de lo mejor, cumplen su propósito de películas para niños (cosa que las películas que no son de PIXAR difícilmente pueden hacer), y son disfrutables por todas las edades. Hablo por supuesto de Cloudy with a Chance of Meatballs y The LEGO Movie.
Creo que alguna vez se mencionó algo contra la idea de la película de LEGO, por que la marca en general atentaba contra la creatividad... pero la película es otro asunto, por completo, disculpas si alguna vez una idea como esta fue dada. Dirigida por ellos dos, la película expresa una genialidad total, probablemente la mejor película del año, y una de las mejores películas animadas de los tiempos.
Y pensándolo bien, es de lo que trata esa película, de todo esto que hablo. Nuestro protagonista es considerado un genio, subestimado por todos... pero al final demuestra ser el más grande de todos ellos. Sólo debes de creer. Aunque más bien, consiste en no limitar tu creatividad, por que, al final, todos eran masterbuilders, creyendo o no, simplemente liberando su mente.
Por que es eso en lo que consiste ser un genio. O no. Pero ciertamente dará resultado.
Cada cierto tiempo, el mundo nos provee a nosotros los mortales de genios, y, sean o no comprendidos, siempre disfrutamos de sus trabajos, en la ciencia, la tecnología y en el arte, cualquiera que sea su rama. Los genios nunca pasan desapercibidos, y cada que realizan algo, la noticia retumba en los confines del planta, incluso si son un público muy específico. Y todo el mundo está de acuerdo con eso.
Sin embargo, más allá de los genios, que son contados, está el trabajo del resto. No resuena en todos lados, pero lo disfrutamos igual, o incluso más. Muchas veces son trabajos mejores, con una mayor estructura y sentimiento, y aunque quizá no dan un resultado tan espectacular, el esfuerzo (que es mucho) vale la pena.
Pero el concepto de genio se va perdiendo con el tiempo, y aunque antes se requería de un pensamiento o una idea original y única, ahora un genio puede ser cualquiera que tenga una buena idea. Y me parece mejor así; personas que quizá tuvieron que esforzarse mucho más que otras, tienen obras que todos disfrutamos, y cuyo calor, el cariño y el cuidado con el que se realizó el trabajo, se nota.
Por ejemplo, el señor George R. R. Martin. Sus trabajos son, por mucho, los más importantes de la literatura fantástica moderna, y la traducción de su Magnum Opus, Game of Thrones, para la televisión, es disfrutada por casi todos, una verdadera joya de la televisión y la ficción en general. No obstante, hemos de admitir que no es un genio.
Grandes fragmentos y puntos importantes de sus libros están tomados de la historia real, como la Guerra de las Rosas, la civilización de Bizancio, y la cultura medieval; el trabajo de Song of Ice and Fire refleja poca creatividad... pero es magnífico. La fusión de todos estos elementos es muy orgánica y natural, y el verdadero núcleo del trabajo, los horrores de la guerra, se mantiene mejor que la mayoría de las películas bélicas de hoy en día.
Otra es la sobreestimación de los individuos. Mi ejemplo favorito de ésto es el escritor Haruki Murakami. Murakami es un escritor medianamente decente, pero admitámoslo, sus libros no son tan especiales. En realidad son más o menos malos. Son como un animé, pero con elementos Occidentales, y ya. Organizaciones de asesinos, personas solitarias, gente loca... pshé. Y luego le adjudican surrealismo a simplemente ser ridículo.
Y es culpa de estos individuos por los que se subestima a otros. Por ejemplo, Phil Lord y Christopher Miller. Sus dos películas animadas son de lo mejor, cumplen su propósito de películas para niños (cosa que las películas que no son de PIXAR difícilmente pueden hacer), y son disfrutables por todas las edades. Hablo por supuesto de Cloudy with a Chance of Meatballs y The LEGO Movie.
Creo que alguna vez se mencionó algo contra la idea de la película de LEGO, por que la marca en general atentaba contra la creatividad... pero la película es otro asunto, por completo, disculpas si alguna vez una idea como esta fue dada. Dirigida por ellos dos, la película expresa una genialidad total, probablemente la mejor película del año, y una de las mejores películas animadas de los tiempos.
Y pensándolo bien, es de lo que trata esa película, de todo esto que hablo. Nuestro protagonista es considerado un genio, subestimado por todos... pero al final demuestra ser el más grande de todos ellos. Sólo debes de creer. Aunque más bien, consiste en no limitar tu creatividad, por que, al final, todos eran masterbuilders, creyendo o no, simplemente liberando su mente.
Por que es eso en lo que consiste ser un genio. O no. Pero ciertamente dará resultado.
lunes, 30 de junio de 2014
How did Irving Whiteman save the day?
Por DaCinemaCritic
No soy alguien muy religioso, pero me gustaría compartir algo con ustedes.
"Y vi el cielo abierto; y he aquí un caballo blanco, y el que estaba sentado sobre Él, era llamado Fiel y Verdadero, el cual con justicia juzga y pelea. Y sus ojos eran como llama de fuego, y había en su cabeza muchas diademas; y tenía un nombre escrito que ninguno entendía sino Él mismo. Y estaba vestido de una ropa teñida en sangre: y su nombre es llamado EL VERBO DE DIOS." Revelaciones: 19:11-13
Cuando podemos, y de hecho vemos esto como algo que no es literal, sino más bien una metáfora (Sabemos que este libro se escribió en la isla de Patmos por algún primer cristiano llamado Juan; en esa entonces, la isla fungía como cárcel, y la opinión general es que el libro está en clave para que se dejara pasar por la revisión carcelaria), hay gente que se lo toma literal. Quizá demasiado literal.
Y quizás no sea algo aceptado como tal. Pero parece que la acepción es "Y vi el cielo blanco y he aquí un hombre blanco y el que estaba con él era llamado Blanco y Ario, el cual con justicia juzga y pelea. Y sus ojos eran como lagos azules, y había en su cabeza muchas diademas; y tenía..." El punto se entiende.
Pero podríamos decir que el papel de blanco superior se ha ido olvidando con el tiempo. Cada vez surgen más héroes de color que... ¿a quién engañamos? El papel del hombre blanco que salva al hombre incivilizado, negro, latino, asiático o extraterrestre, por que estos no pueden salvarse a sí mismos, por que son débiles y necesitan del hombre blanco.
En particular, me viene a la mente ahora mismo una película recomendada por una querida amiga mía, The Help, de Tate Taylor, en la que una niña pequeña, que funge como la heroína blanca (manejado usualmente como white saviour), y hace las de voz de sus pobres negras mientras sus pobres negras no pueden hacer más que comer sandía y ver cómo sus hijos mueren pizcando algodón.
El viernes pasado estaba viendo una película: Freedom Writers, como parte de una investigación exhaustiva que hago sobre los conflictos raciales en California, para entender de mejor manera los sucesos de Los Angeles en el '92, pues trabajo en un guión sobre ello. Sin embargo, el mal retrato de las minorías y los diálogos débiles, el ritmo lentísimo y la pobre decisión del casting se ven completamente opacadas por la narrativa del salvador blanco.
La película trata de un grupo de estudiantes disfuncionales que tienen disparatadas y jocosas aventuras, como un drive-by por un latino que le dispara a un negro matando a un asiático; una chica latina que tiene que defender a su novio de la malvada policía de blancos, un negro que cree que al morir en la guerra de pandillas morirá como un guerrero y demás joyas. Por supuesto, es una clase de chicos problema, y como cereza en el pastel marmoleado, un chico blanco - Blanquito - que, aún siendo el único que está ahí por ser tonto, es más listo que los demás chicos de color.
Por supuesto, alguien tiene que sacarlos de ese agujero de desolación y decadencia que es el bajo mundo de Long Island, así que la mujer blanca, interpretada por Hilary Swank, es la mejor calificada para hacerlo. Por que ella es la heroína y es blanca, entonces, no tiene nada que perder.
Ve un enfrentamiento de pandillas en sus primeros días y queda horrorizada por la barbarie que estos chicos... que no son blancos, por cierto, cometen; pero esto no la detiene, es más, la motiva a continuar y a sacar a esos chicos de su incivilizada manera de ser... "ahora cubran su desnudez y adoren a nuestro dios".
Finding Forrester, The Blind Side, Freedom Writers, The Help, Radio, The Soloist, Lincoln, Django Unchained, District 9, todos los directores blancos como palomas.
¿Qué se podía esperar, no? Bueno, la más reciente película ganadora del Oscar a Mejor Película, es también una narrativa de salvador blanco. No es muy buena, pero desde que oí el título en una conversación casual, supe que ganaría el Oscar, por que estaba diseñada para llegar a la culpa del pueblo blanco, pero también redimirlos, por que ellos son los héroes y son blancos.
El problema es que el director, Steve McQueen, es negro. ¿A qué grado ha llegado la aceptación de esta narrativa, que un director negro esté de acuerdo con la exposición de este tipo de narrativa? Man, o, man. Spike Lee estaría avergonzado de ti. Oh, pero claro, el señor McQueen es inglés, así que está por encima de todo eso. NO, no, está mal. Es empatía por tu gente, maldición. ¿Cómo vas a pensar que el exponer a cualquier persona como un ser indefenso que necesita del hombre blanco y poderoso para sobrevivir? ¿Cuál es tu problema?
No soy alguien muy religioso, pero me gustaría compartir algo con ustedes.
"Y vi el cielo abierto; y he aquí un caballo blanco, y el que estaba sentado sobre Él, era llamado Fiel y Verdadero, el cual con justicia juzga y pelea. Y sus ojos eran como llama de fuego, y había en su cabeza muchas diademas; y tenía un nombre escrito que ninguno entendía sino Él mismo. Y estaba vestido de una ropa teñida en sangre: y su nombre es llamado EL VERBO DE DIOS." Revelaciones: 19:11-13
Cuando podemos, y de hecho vemos esto como algo que no es literal, sino más bien una metáfora (Sabemos que este libro se escribió en la isla de Patmos por algún primer cristiano llamado Juan; en esa entonces, la isla fungía como cárcel, y la opinión general es que el libro está en clave para que se dejara pasar por la revisión carcelaria), hay gente que se lo toma literal. Quizá demasiado literal.
Y quizás no sea algo aceptado como tal. Pero parece que la acepción es "Y vi el cielo blanco y he aquí un hombre blanco y el que estaba con él era llamado Blanco y Ario, el cual con justicia juzga y pelea. Y sus ojos eran como lagos azules, y había en su cabeza muchas diademas; y tenía..." El punto se entiende.
Pero podríamos decir que el papel de blanco superior se ha ido olvidando con el tiempo. Cada vez surgen más héroes de color que... ¿a quién engañamos? El papel del hombre blanco que salva al hombre incivilizado, negro, latino, asiático o extraterrestre, por que estos no pueden salvarse a sí mismos, por que son débiles y necesitan del hombre blanco.
En particular, me viene a la mente ahora mismo una película recomendada por una querida amiga mía, The Help, de Tate Taylor, en la que una niña pequeña, que funge como la heroína blanca (manejado usualmente como white saviour), y hace las de voz de sus pobres negras mientras sus pobres negras no pueden hacer más que comer sandía y ver cómo sus hijos mueren pizcando algodón.
El viernes pasado estaba viendo una película: Freedom Writers, como parte de una investigación exhaustiva que hago sobre los conflictos raciales en California, para entender de mejor manera los sucesos de Los Angeles en el '92, pues trabajo en un guión sobre ello. Sin embargo, el mal retrato de las minorías y los diálogos débiles, el ritmo lentísimo y la pobre decisión del casting se ven completamente opacadas por la narrativa del salvador blanco.
La película trata de un grupo de estudiantes disfuncionales que tienen disparatadas y jocosas aventuras, como un drive-by por un latino que le dispara a un negro matando a un asiático; una chica latina que tiene que defender a su novio de la malvada policía de blancos, un negro que cree que al morir en la guerra de pandillas morirá como un guerrero y demás joyas. Por supuesto, es una clase de chicos problema, y como cereza en el pastel marmoleado, un chico blanco - Blanquito - que, aún siendo el único que está ahí por ser tonto, es más listo que los demás chicos de color.
Por supuesto, alguien tiene que sacarlos de ese agujero de desolación y decadencia que es el bajo mundo de Long Island, así que la mujer blanca, interpretada por Hilary Swank, es la mejor calificada para hacerlo. Por que ella es la heroína y es blanca, entonces, no tiene nada que perder.
Ve un enfrentamiento de pandillas en sus primeros días y queda horrorizada por la barbarie que estos chicos... que no son blancos, por cierto, cometen; pero esto no la detiene, es más, la motiva a continuar y a sacar a esos chicos de su incivilizada manera de ser... "ahora cubran su desnudez y adoren a nuestro dios".
Finding Forrester, The Blind Side, Freedom Writers, The Help, Radio, The Soloist, Lincoln, Django Unchained, District 9, todos los directores blancos como palomas.
¿Qué se podía esperar, no? Bueno, la más reciente película ganadora del Oscar a Mejor Película, es también una narrativa de salvador blanco. No es muy buena, pero desde que oí el título en una conversación casual, supe que ganaría el Oscar, por que estaba diseñada para llegar a la culpa del pueblo blanco, pero también redimirlos, por que ellos son los héroes y son blancos.
El problema es que el director, Steve McQueen, es negro. ¿A qué grado ha llegado la aceptación de esta narrativa, que un director negro esté de acuerdo con la exposición de este tipo de narrativa? Man, o, man. Spike Lee estaría avergonzado de ti. Oh, pero claro, el señor McQueen es inglés, así que está por encima de todo eso. NO, no, está mal. Es empatía por tu gente, maldición. ¿Cómo vas a pensar que el exponer a cualquier persona como un ser indefenso que necesita del hombre blanco y poderoso para sobrevivir? ¿Cuál es tu problema?
domingo, 22 de junio de 2014
Villain Origins: Maleficent.
Por DaCinemaCritic.
Es notable cómo una película tan, intrascendente, tan mundana, puede impactar tanto en una industria y una sociedad entera como lo ha hecho Maleficent. Quizá la película misma no haya influenciado tanto como pudiera parecer, pero ciertamente refleja el resultado de una serie de tendencias que ha tenido el cine occidental, resultado de películas como Dorian Grey (2009), Hansel & Gretel Witch Hunters (2013), Jack the Giant Slayer (2013), Snow White and the Huntsman (2012) o similares; la "reimaginación" de personajes clásicos.
Sin embargo, ¿es esta una práctica saludable para el cine?
Muchos estarían inclinados por pensar que sí, elimina los estereotipos, da más profundidad a los personajes y nos cuenta una historia distinta a la establecida por la tradición, bajo una perspectiva de "History is written by the winners, así que contaremos el otro lado de la historia".
No obstante, bajo este supuesto, se escriben y producen una gran cantidad de películas; la "reimaginación" de historias clásicas y las secuelas son las principales promotoras de la industria; las 10 películas más taquilleras de los últimos 3 años, han sido secuelas o adaptaciones a excepción de Inception y ted. Es por eso que la industria del cine prefiere usar una fórmula segura, con nada de creatividad, como dice el Coronel, en Barton Fink "claro, un poco para los críticos", que sabemos que no perderá nada.
¿Pero dónde queda el contenido original? Es en realidad la adaptación un ejercicio para la creatividad?
Por supuesto que podríamos alegar que muchas de las mejores películas de la historia son adaptaciones, Brazil, A Clockwork Orange, Passion of Joan of Arc, The Godfather... pero no son grandes por ser buenas adaptaciones, lo son por ser grandes películas y por que el trabajo requirió de gran esfuerzo y creatividad, y a pesar de que tomaban una historia ya contada, más que la historia era expresar una idea, así como en Brazil es una adaptación vaga, o A Clockwork Orange es un poco más estricta, lo primordial no era la historia, sino el mensaje, el arte.
No todas las películas pueden ser de arte, lo sé. Pero hay películas que son buenas y que son creativas y originales, incluso siendo adaptaciones, como la trilogía de Batman de Nolan, o la de Lord of the Rings, de Jackson. Quien diga que la creatividad no deja dinero es sencillamente un tonto. Avatar, Titanic, Ben-Hur, son de las películas más taquilleras de la historia y son contenido original y ganadoras de Óscares (En lo personal, considero que sólo Ben-Hur es buena).
Bueno, eso está en su criterio. El problema aquí es el resultado de esta tendencia de la "reimaginación". Si bien podría parecer creativo y novedoso, lo cierto es que no lo es; no elimina los estereotipos, los sustituye; no genera nuevos personajes, los recicla; no nos da nada nuevo. Como se dice coloquialmente, es la misma gata, revolcada.
El verlo desde otra perspectiva me recuerda a un capítulo de Los Simpson, donde hay una lata tirada y todo el departamento de policía está en la escena, y el jefe Gorgory dice: "dame el punto de vista de la lata, con muchas luces y todo eso de la tele". El verlo desde otra perspectiva en estos casos en realidad no añade mucho; se denigra el valor original de la película y se agrega otro. En el caso de Maleficent, es el feminismo flagrante, y la cultura de violación en Disney.
Y para qué? Lo único que logrará es que habrá fiestas de Halloween llenas de jóvenes vestidas de Maléfica. No más. Cuando tu película es intrascendente, cuando no deja la más mínima mella en la sociedad o la cultura, sólo es un adorno, sólo hiciste una edición especial de la barra de chocolate. Bien por ti. Espero que te sientas muy orgulloso, Stromberg.
Y es que la película carece de sentido para mantenerse "fiel" al cuento original; no podría ser un trabajo de novo, por que es tan malo que necesita de fama de qué colgarse. Y la gente que va a ir a verla es la misma gente que hizo de Alice in Wonderland la segunda película más taquillera de ese año. No quiero ver qué harán de Dracula Untold, o de Neverending Story, y similares. Al día de hoy, 22 de junio, la película más taquillera es una película original, LEGO: The Movie, aunque LEGO no se caracteriza por su contenido original; esperemos que siga así y que la industria comprenda algo de esto.
Y eso es todo lo que tengo que decir al respecto.
Es notable cómo una película tan, intrascendente, tan mundana, puede impactar tanto en una industria y una sociedad entera como lo ha hecho Maleficent. Quizá la película misma no haya influenciado tanto como pudiera parecer, pero ciertamente refleja el resultado de una serie de tendencias que ha tenido el cine occidental, resultado de películas como Dorian Grey (2009), Hansel & Gretel Witch Hunters (2013), Jack the Giant Slayer (2013), Snow White and the Huntsman (2012) o similares; la "reimaginación" de personajes clásicos.
Sin embargo, ¿es esta una práctica saludable para el cine?
Muchos estarían inclinados por pensar que sí, elimina los estereotipos, da más profundidad a los personajes y nos cuenta una historia distinta a la establecida por la tradición, bajo una perspectiva de "History is written by the winners, así que contaremos el otro lado de la historia".
No obstante, bajo este supuesto, se escriben y producen una gran cantidad de películas; la "reimaginación" de historias clásicas y las secuelas son las principales promotoras de la industria; las 10 películas más taquilleras de los últimos 3 años, han sido secuelas o adaptaciones a excepción de Inception y ted. Es por eso que la industria del cine prefiere usar una fórmula segura, con nada de creatividad, como dice el Coronel, en Barton Fink "claro, un poco para los críticos", que sabemos que no perderá nada.
¿Pero dónde queda el contenido original? Es en realidad la adaptación un ejercicio para la creatividad?
Por supuesto que podríamos alegar que muchas de las mejores películas de la historia son adaptaciones, Brazil, A Clockwork Orange, Passion of Joan of Arc, The Godfather... pero no son grandes por ser buenas adaptaciones, lo son por ser grandes películas y por que el trabajo requirió de gran esfuerzo y creatividad, y a pesar de que tomaban una historia ya contada, más que la historia era expresar una idea, así como en Brazil es una adaptación vaga, o A Clockwork Orange es un poco más estricta, lo primordial no era la historia, sino el mensaje, el arte.
No todas las películas pueden ser de arte, lo sé. Pero hay películas que son buenas y que son creativas y originales, incluso siendo adaptaciones, como la trilogía de Batman de Nolan, o la de Lord of the Rings, de Jackson. Quien diga que la creatividad no deja dinero es sencillamente un tonto. Avatar, Titanic, Ben-Hur, son de las películas más taquilleras de la historia y son contenido original y ganadoras de Óscares (En lo personal, considero que sólo Ben-Hur es buena).
Bueno, eso está en su criterio. El problema aquí es el resultado de esta tendencia de la "reimaginación". Si bien podría parecer creativo y novedoso, lo cierto es que no lo es; no elimina los estereotipos, los sustituye; no genera nuevos personajes, los recicla; no nos da nada nuevo. Como se dice coloquialmente, es la misma gata, revolcada.
El verlo desde otra perspectiva me recuerda a un capítulo de Los Simpson, donde hay una lata tirada y todo el departamento de policía está en la escena, y el jefe Gorgory dice: "dame el punto de vista de la lata, con muchas luces y todo eso de la tele". El verlo desde otra perspectiva en estos casos en realidad no añade mucho; se denigra el valor original de la película y se agrega otro. En el caso de Maleficent, es el feminismo flagrante, y la cultura de violación en Disney.
Y para qué? Lo único que logrará es que habrá fiestas de Halloween llenas de jóvenes vestidas de Maléfica. No más. Cuando tu película es intrascendente, cuando no deja la más mínima mella en la sociedad o la cultura, sólo es un adorno, sólo hiciste una edición especial de la barra de chocolate. Bien por ti. Espero que te sientas muy orgulloso, Stromberg.
Y es que la película carece de sentido para mantenerse "fiel" al cuento original; no podría ser un trabajo de novo, por que es tan malo que necesita de fama de qué colgarse. Y la gente que va a ir a verla es la misma gente que hizo de Alice in Wonderland la segunda película más taquillera de ese año. No quiero ver qué harán de Dracula Untold, o de Neverending Story, y similares. Al día de hoy, 22 de junio, la película más taquillera es una película original, LEGO: The Movie, aunque LEGO no se caracteriza por su contenido original; esperemos que siga así y que la industria comprenda algo de esto.
Y eso es todo lo que tengo que decir al respecto.
sábado, 26 de abril de 2014
Humanidad y la decadente decadencia
Por DaCinemaCritic
Oh, la humanidad.
¿Alguna vez se han preguntado qué hay detrás del proceso de selección de una película? A veces veo trabajos muy malos, pero se nota que están hechos con cariño y amor, y resulta que el productor es el director, o películas muy malas con todo el centro en un personaje y las produce el protagonista (Johnny Depp), y fenómenos similares. Sin embargo, a veces veo películas terribles, que desde el principio son malas ideas, están hechas con vergüenza y sin amor de mamá.
¿Cómo es que estas películas llegan a ser hechas? Es decir, ¿quién dice "Diantre, esta es una buena idea, voy a darle algunos millones de dineros para que hagan esta película"? ¿Quién lee el guión de El Gurú del Amor y está totalmente convencido de que será genial? Y no me refiero a sólo que sea una buena película, no; siendo productor, pienso en ¿quiero el Oscar a mejor película o quiero más dinero? ¿Piensan que ese tipo de esperpentos les dará más dinero?
Ayer vi "Head of State", protagonizada por Chris Rock. Y usando una frase del filme, "That is full of shit". Diablos, hombre; es tan estúpida, tan... de mal gusto. Y no es que no me agrade el concepto per se... no, en realidad no me agrada. Me parece que el hecho que propongan que un estereotipo de negro ignorante gane las elecciones para presidente de los Estados Unidos es... uh. Está al nivel de Idiocracy, en el que una estrella de porno es presidente... por que todos se volvieron idiotas. No piensen que tengo algo en contra de los negros, o a favor, son personas como cualquier otra, pero en particular esa decadencia que tienen la facilidad de expresar, de odio, y de racismo entre ellos, y hacia los blancos, cometiendo los pecados que tanto condenan.
Lo triste es que excusan esto tras una charada de individualidad negra, que su gente, que ellos mismos segregan, es capaz de todo siempre que los blancos no interfieran y las minorías y todo eso... No hay manera de verlo como algo bueno. Si yo fuera negro, me ofendería, pues me representan como un ignorante sin posibilidades, en un mundo fantasioso en el que no vivo. Saber que ese arte es lo que representa a mi gente, mi cultura y mi idiosincrasia me repugnaría.
Por otro lado, el otro día vi Do The Right Thing. Oh my, oh my. Esa sí es una señora película. Y habla de algo similar, de la identidad negra. Pero no es sobre como los negros son mejores que los blancos. Habla de las tensiones, habla de la cultura, habla de la violencia, habla del amor entre hermanos y el odio que causa la igualdad y el orgullo por la herencia...
38 millones y 37 millones, respectivamente... La producción, 35 millones, 6 millones... La diferencia no es el dinero, es el talento y el corazón; es por eso que es un arte.
Oh, la humanidad.
¿Alguna vez se han preguntado qué hay detrás del proceso de selección de una película? A veces veo trabajos muy malos, pero se nota que están hechos con cariño y amor, y resulta que el productor es el director, o películas muy malas con todo el centro en un personaje y las produce el protagonista (Johnny Depp), y fenómenos similares. Sin embargo, a veces veo películas terribles, que desde el principio son malas ideas, están hechas con vergüenza y sin amor de mamá.
¿Cómo es que estas películas llegan a ser hechas? Es decir, ¿quién dice "Diantre, esta es una buena idea, voy a darle algunos millones de dineros para que hagan esta película"? ¿Quién lee el guión de El Gurú del Amor y está totalmente convencido de que será genial? Y no me refiero a sólo que sea una buena película, no; siendo productor, pienso en ¿quiero el Oscar a mejor película o quiero más dinero? ¿Piensan que ese tipo de esperpentos les dará más dinero?
Ayer vi "Head of State", protagonizada por Chris Rock. Y usando una frase del filme, "That is full of shit". Diablos, hombre; es tan estúpida, tan... de mal gusto. Y no es que no me agrade el concepto per se... no, en realidad no me agrada. Me parece que el hecho que propongan que un estereotipo de negro ignorante gane las elecciones para presidente de los Estados Unidos es... uh. Está al nivel de Idiocracy, en el que una estrella de porno es presidente... por que todos se volvieron idiotas. No piensen que tengo algo en contra de los negros, o a favor, son personas como cualquier otra, pero en particular esa decadencia que tienen la facilidad de expresar, de odio, y de racismo entre ellos, y hacia los blancos, cometiendo los pecados que tanto condenan.
Lo triste es que excusan esto tras una charada de individualidad negra, que su gente, que ellos mismos segregan, es capaz de todo siempre que los blancos no interfieran y las minorías y todo eso... No hay manera de verlo como algo bueno. Si yo fuera negro, me ofendería, pues me representan como un ignorante sin posibilidades, en un mundo fantasioso en el que no vivo. Saber que ese arte es lo que representa a mi gente, mi cultura y mi idiosincrasia me repugnaría.
Por otro lado, el otro día vi Do The Right Thing. Oh my, oh my. Esa sí es una señora película. Y habla de algo similar, de la identidad negra. Pero no es sobre como los negros son mejores que los blancos. Habla de las tensiones, habla de la cultura, habla de la violencia, habla del amor entre hermanos y el odio que causa la igualdad y el orgullo por la herencia...
38 millones y 37 millones, respectivamente... La producción, 35 millones, 6 millones... La diferencia no es el dinero, es el talento y el corazón; es por eso que es un arte.
miércoles, 16 de abril de 2014
Humanidad: Brazo de Oro, Brazo de Plata y SuperPorky
Por DaCinemaCritic
Sabemos que hay eras en la escritura del cómic. La Edad de Oro, que trataba de héroes que ahora son clásicos, no tenían más motivación que la justicia y todo era bello y hermoso. Luego llega la Edad de Plata, donde el cómic se vuelve mainstream y surgen las series de superhéroes que conocemos, como la Liga de la Justicia y Fantastic Four; se vuelven más violentos pero no pierde su estilo orginal. Luego llega la Edad de Bronze. Caracterizada por historias relacionadas con temáticas más modernas, como el abuso de drogas, y más oscuras en general, precedió a la Edad Moderna del Cómic; una era oscura y psicológica, los héroes están caracterizados por su tono más ambiguo y suelen ser personas atribuladas y con complejos emocionales. Pues yo le digo a eso: "Qué montón de basura".
Los niños necesitan un modelo a seguir. Y cuando se enfrenten a la realidad de que sus padres son personas horribles, y que sus maestros son personas horribles, y que el mundo está lleno de gente horrible, necesitarán que su modelo a seguir sea alguien perfecto. Y verán que la humanidad no es confiable para ese tipo de asuntos, y entonces se volcarán a la ficción. Pero ¡ay! que verán que incluso en la ficción, a base de hacer tramas complejas y "artísticas" con superhéroes drogadictos, vigilantes y demás, ¿qué ejemplo tendrán? No me gustaría ver que mis hijos están llorando en posición fetal por que Batman viola a Hiedra Venenosa, o por que Superman parte a Lex Luthor por la mitad, o que Spiderman es un joven diverso y multiétnico. No te puedes identificar con eso. No puede ser tu héroe. Pero es un arte. ¿Qué nadie piensa en los niños?
Por desgracia, también pasa en las películas. ¿Con qué películas crecí? Steven Seagal, Silvester Stallone, Bruce Willis, Jean-Claude Van Damme... héroes incorruptibles que rifaban y controlaban a su antojo, pero siempre ajusticiando, siempre en pos de la verdad y la rectitud. Qué es lo que tenemos en estos días, qué están viendo los niños, no lo sé. Pero miren las películas de acción a las que los exponemos. Bourne, Man of Steel, Pain & Gain... todas películas de antihéroes que hacen lo "correcto" aunque vaya en contra de la justicia.
Ahora, yo no sé mucho de crianza de niños, pero sé que si veo a mis héroes en contra de la justicia y matando sin razón, mi sentido de la moralidad se va a ir mucho al caño. Y es que no sé que pasó con la cultura del verdadero héroe de acción; el que en verdad era un héroe. (Excluyamos Rambo por favor). ¿Qué pasa con las películas llenas de violencia y explosiones por el bien común? Sí había venganza, yo lo sé, pero era siempre cuando era hacia un delito y sólo el brazo largo de la ley podía ejercerla.
Empiezo ya a coleccionar películas viejas de acción, para preservarlas para futuras generaciones. No sé qué pasará con ésta.
Sabemos que hay eras en la escritura del cómic. La Edad de Oro, que trataba de héroes que ahora son clásicos, no tenían más motivación que la justicia y todo era bello y hermoso. Luego llega la Edad de Plata, donde el cómic se vuelve mainstream y surgen las series de superhéroes que conocemos, como la Liga de la Justicia y Fantastic Four; se vuelven más violentos pero no pierde su estilo orginal. Luego llega la Edad de Bronze. Caracterizada por historias relacionadas con temáticas más modernas, como el abuso de drogas, y más oscuras en general, precedió a la Edad Moderna del Cómic; una era oscura y psicológica, los héroes están caracterizados por su tono más ambiguo y suelen ser personas atribuladas y con complejos emocionales. Pues yo le digo a eso: "Qué montón de basura".
Los niños necesitan un modelo a seguir. Y cuando se enfrenten a la realidad de que sus padres son personas horribles, y que sus maestros son personas horribles, y que el mundo está lleno de gente horrible, necesitarán que su modelo a seguir sea alguien perfecto. Y verán que la humanidad no es confiable para ese tipo de asuntos, y entonces se volcarán a la ficción. Pero ¡ay! que verán que incluso en la ficción, a base de hacer tramas complejas y "artísticas" con superhéroes drogadictos, vigilantes y demás, ¿qué ejemplo tendrán? No me gustaría ver que mis hijos están llorando en posición fetal por que Batman viola a Hiedra Venenosa, o por que Superman parte a Lex Luthor por la mitad, o que Spiderman es un joven diverso y multiétnico. No te puedes identificar con eso. No puede ser tu héroe. Pero es un arte. ¿Qué nadie piensa en los niños?
Por desgracia, también pasa en las películas. ¿Con qué películas crecí? Steven Seagal, Silvester Stallone, Bruce Willis, Jean-Claude Van Damme... héroes incorruptibles que rifaban y controlaban a su antojo, pero siempre ajusticiando, siempre en pos de la verdad y la rectitud. Qué es lo que tenemos en estos días, qué están viendo los niños, no lo sé. Pero miren las películas de acción a las que los exponemos. Bourne, Man of Steel, Pain & Gain... todas películas de antihéroes que hacen lo "correcto" aunque vaya en contra de la justicia.
Ahora, yo no sé mucho de crianza de niños, pero sé que si veo a mis héroes en contra de la justicia y matando sin razón, mi sentido de la moralidad se va a ir mucho al caño. Y es que no sé que pasó con la cultura del verdadero héroe de acción; el que en verdad era un héroe. (Excluyamos Rambo por favor). ¿Qué pasa con las películas llenas de violencia y explosiones por el bien común? Sí había venganza, yo lo sé, pero era siempre cuando era hacia un delito y sólo el brazo largo de la ley podía ejercerla.
Empiezo ya a coleccionar películas viejas de acción, para preservarlas para futuras generaciones. No sé qué pasará con ésta.
miércoles, 9 de abril de 2014
Humanidad es... la televisión.
Por DaCinemaCritic.
Comentario sobre Network.
Recientemente vi Network, la película del 76, dirigida por Sydney Lumet; y me impactó fuertemente; al grado de pensar en algunos momentos que, ciertamente, era la mejor película que había visto hasta ese momento. Ya me ha pasado antes, luego de un momento me calmo y me doy cuenta de los fallos; me pasó con American Beauty y Brazil, de Sam Mendes y Terry Gilliam, respectivamente, que siguen siendo parte de la lista de mis películas favoritas, pero no superan a mi favorita de todos los tiempos, Pulp fiction, que será abordada a su debido tiempo.
.
Pero lo más importante de ésa película en particular es lo que me dejó asimilando. Soy un producto de la televisión, fui criado por ella, y las frases que uso - que usamos, yo y mis amigos - todas provienen de la televisión; sustituyó a la sabiduría popular, y la intelectualidad ambidextra que creemos tener, proviene de la idiosincrasia que la televisión nos dio. Uno no sabe cuánto lo influencian las cosas que ve de niño hasta que se lo echan en cara. La primera vez que me di cuenta de ésto fue hace algún tiempo, hurgando en mis cosas viejas. Según yo, mi actitud libre pensadora izquierdista conservadora defensora de la identidad nacional globalizadora, era mía y sólo mía. Y me encontré un libro de Kafka y otro de Jean de La Fontaine, y BAM! Tómala! Bien lo dijo Maynard Keynes ... los que se creen exentos de cualquier influencia intelectual, son esclavos de algún economista muerto. Y es cierto, parte de mis creencias también están basadas en la corriente Keynesiana de economía.
Divago. Pero saben a lo que me refiero; somos sólo el producto de las ideas que fluyen a nuestro alrededor, y de ahí provienen nuevas ideas; de ahí viene el conocimiento colectivo: de eso depende nuestra supervivencia, de tener un lenguaje organizado con el nivel de complejidad que tiene; idea que está basada en un reportaje de periódico que vi. Network. Uno de los mejores guiones que he visto; en particular, su carácter profético. Idea que también es de Roger Ebert. Pero no me identifico con Howard Beale, el profeta, ni con Max, el hombre cuerdo en un mundo loco.
Yo soy... no, TODOS somos Diana. Somos la televisión hecha carne- si podemos darnos el lujo de seguir diciendo que somos carne. Y cosas que las personas normales, decentes, hacen, nosotros damos con el suelo si tropezamos con semejantes sensiblerías. Muchas veces hablando con mis amigos, hemos dicho que la vida es una serie de TV, nos referimos a la fuerza superior como "El escritor", y sólo seguimos su trama, como los actores de la serie. Incluso tenemos nombres para la misma...
No está tan mal, however. Al ser la televisión somos menos homogéneos; es más sencillo identificarte y tener como modelos a las personas de la televisión, que son perfectos e infalibles que a la gente real, deleznable y deplorable, pecadores y demás, y causa menos contradicciones a los valores que la misma nos enseña. Incluso con la violencia estilizada, se intenta enseñar algo positivo, el arrepentimiento, las consecuencias, yo qué sé, y después de nosotros, será la generación que crearemos, que se criará con las redes sociales, la realidad aumentada y la realidad virtual; entonces será un problema, todos homogéneos, sometidos a los mismos chistes, al mismo conocimiento, al mismo molde; expuestos a toda la gente real; a la gente fea.
Pero nuestros padres decían lo mismo de nosotros; la televisión arruinaría nuestros cerebros.
Network. Una gran película; recomendada para todos.
Comentario sobre Network.
Recientemente vi Network, la película del 76, dirigida por Sydney Lumet; y me impactó fuertemente; al grado de pensar en algunos momentos que, ciertamente, era la mejor película que había visto hasta ese momento. Ya me ha pasado antes, luego de un momento me calmo y me doy cuenta de los fallos; me pasó con American Beauty y Brazil, de Sam Mendes y Terry Gilliam, respectivamente, que siguen siendo parte de la lista de mis películas favoritas, pero no superan a mi favorita de todos los tiempos, Pulp fiction, que será abordada a su debido tiempo.
.
Pero lo más importante de ésa película en particular es lo que me dejó asimilando. Soy un producto de la televisión, fui criado por ella, y las frases que uso - que usamos, yo y mis amigos - todas provienen de la televisión; sustituyó a la sabiduría popular, y la intelectualidad ambidextra que creemos tener, proviene de la idiosincrasia que la televisión nos dio. Uno no sabe cuánto lo influencian las cosas que ve de niño hasta que se lo echan en cara. La primera vez que me di cuenta de ésto fue hace algún tiempo, hurgando en mis cosas viejas. Según yo, mi actitud libre pensadora izquierdista conservadora defensora de la identidad nacional globalizadora, era mía y sólo mía. Y me encontré un libro de Kafka y otro de Jean de La Fontaine, y BAM! Tómala! Bien lo dijo Maynard Keynes ... los que se creen exentos de cualquier influencia intelectual, son esclavos de algún economista muerto. Y es cierto, parte de mis creencias también están basadas en la corriente Keynesiana de economía.
Divago. Pero saben a lo que me refiero; somos sólo el producto de las ideas que fluyen a nuestro alrededor, y de ahí provienen nuevas ideas; de ahí viene el conocimiento colectivo: de eso depende nuestra supervivencia, de tener un lenguaje organizado con el nivel de complejidad que tiene; idea que está basada en un reportaje de periódico que vi. Network. Uno de los mejores guiones que he visto; en particular, su carácter profético. Idea que también es de Roger Ebert. Pero no me identifico con Howard Beale, el profeta, ni con Max, el hombre cuerdo en un mundo loco.
Yo soy... no, TODOS somos Diana. Somos la televisión hecha carne- si podemos darnos el lujo de seguir diciendo que somos carne. Y cosas que las personas normales, decentes, hacen, nosotros damos con el suelo si tropezamos con semejantes sensiblerías. Muchas veces hablando con mis amigos, hemos dicho que la vida es una serie de TV, nos referimos a la fuerza superior como "El escritor", y sólo seguimos su trama, como los actores de la serie. Incluso tenemos nombres para la misma...
No está tan mal, however. Al ser la televisión somos menos homogéneos; es más sencillo identificarte y tener como modelos a las personas de la televisión, que son perfectos e infalibles que a la gente real, deleznable y deplorable, pecadores y demás, y causa menos contradicciones a los valores que la misma nos enseña. Incluso con la violencia estilizada, se intenta enseñar algo positivo, el arrepentimiento, las consecuencias, yo qué sé, y después de nosotros, será la generación que crearemos, que se criará con las redes sociales, la realidad aumentada y la realidad virtual; entonces será un problema, todos homogéneos, sometidos a los mismos chistes, al mismo conocimiento, al mismo molde; expuestos a toda la gente real; a la gente fea.
Pero nuestros padres decían lo mismo de nosotros; la televisión arruinaría nuestros cerebros.
Network. Una gran película; recomendada para todos.
miércoles, 2 de abril de 2014
Ready Humanidad One.
DaCinemaCritic
No es mi área, pero Facebook compró Oculus Rift. Escribo esto a un par de horas de que liberaran la noticia, y sinceramente... es bastante pintoresco. Es difícil seguir cegados y pensar que las redes sociales pasan desapercibidas en la vida diaria. Para verlo de manera sencilla, decidieron quién sería el hombre más poderoso del hombre libre en las elecciones pasadas, y han sido el medio que ha dirigido ya cuatro revoluciones. Afecta a la geopolítica, la economía, el modo en el que vivimos ahora. Por tanto, el que las redes sociales; en particular Facebook, adquieran nuevas tecnologías, es importante en sobre manera para todos nosotros. Y piensen en las aplicaciones, visitas a otros lugares del planeta o a otros planetas, cines, escuelas, museos, encuentros semi-personales, relaciones, lap-dances, consultas médicas, eventos públicos, todo! Cambiará la vida como la conocemos; por un proyecto que empezó con 250,000 dólares.
Este tema es tratado en un libro de ciencia ficción, llamado Ready Player One, que nos fue presentado por MJK; y trata de la evolución de un videojuego masivo llamado OASIS en el modo de vida moderno a causa del encarecimiento del combustible y transporte, la contaminación y la sobrepoblación; hay una empresa malvada, hay un héroe que lucha contra ella, etc. Por supuesto, los comentarios aludiendo a la similitud entre la realidad y la obra de Ernest Cline no se hicieron esperar.
Warner Bros ya había comprado los derechos del libro para hacer una película, y si han leído el libro, se darían cuenta que en realidad tiene un gran potencial para ser una película; las batallas, elementos de sci-fi y fantasía, referencias a la cultura pop y un ambiente viciado de videojuegos. Sin embargo, si Facebook sabe jugar sus cartas, el Nuevo Mundo tendrá lugar en poco tiempo, 2 o 3 años mínimo. Y si es así, Warner Bros sólo tendrá una obra de ficción sin nada que ofrecer.
Hablando con MJK sobre esto, decíamos que si Warner no saca la película ya, es decir, si en un mes no anuncia el guión y el director, no sacarán nada y será dinero perdido y un sueño sin cumplir (quiero ver esa película ON). Por supuesto, durante la conversación, surgió nuestro Dream Team para el reparto. Ojo; este reparto no está diseñado para ganar Óscares, sino para generar una película tremendísima, con impacto pop de 10 o superior.
Dirección.
Ah, elección difícil, pero redujimos a tres opciones, cada una con sus méritos y una película que logró convencernos.
Guillermo del Toro, por su magnífico trabajo en Pacific Rim, Zack Snyder por la estética de Man of Steel y Watchmen, y Edgar Wright por su ambientación en Scott Pilgrim versus the World. Como premio de consolación para J. J. Abrams, si los demás no dirigen, quizá él debería hacerlo.
Actor principal: Wade/Parzival
Esta fue difícil. Pero al final decidimos que siendo ésta película, con éste personaje, lo mejor sería tener un actor fresco con poca o nula experiencia actuando en películas grandes. El personaje de Wade tiene que estar gordo y ligeramente feo, y Parzival debe mantener sus características principales, con menos fealdad, por supuesto, así que ningún actor relativamente famoso se prestaría para ello. (Pensamos en Andrew Garfield y Matthew Lewis, pero no nos convencieron nunca.)
Actriz principal: Samantha/Art3mis
Vanessa Hudgens; por su papel en una película tan desdichada como Sucker Punch, para redimir su gran apariencia frente al público; Elle Fanning, todo lo bueno de Dakota sin sus fallas.
Actor de reparto: Nolan Sorrento/IOI#665433
Gary Oldman. Nació para ser villano, ése hombre, y podemos ver eso en The Fifth Element, True Romance, The Professional. Kevin Spacey. Sería grandioso, ver a un actor tan versátil en ese papel, en particular en lo inspirado por The Usual Suspects y House of Cards, ver ese juego de actuación en el dialogo con Parzival... uff. En el caso de que no se pueda, pues Hugo Weaving.
****SPOILERS****
Actor/actriz de reparto: Helen/Aech
Para la parte de Helen, Mo'nique o Gabourey Sidibe, para Aech, Chris Hemsworth, pero en realidad esta parte no tiene importancia en cuanto al actor, sin menospreciar al personaje
Actor de reparto: James Donovan Halliday/Anorak
Ashton Kutcher por su papel en Jobs, aunque sería algo meramente simbólico, Jim Parsons por su actuación en Big Bang Theory; no podemos negar que en la serie, al menos la primera temporada, es la tesis de la subcultura geek, y puede fácilmente interpretar a un genio excéntrico como lo es Halliday.
Actor de reparto: Ogden Morrow/Og
Jeff Bridges. Qué más podemos decir, su nombre es suficiente. ¿Quereís justificación? El hombre es un ícono de la cultura geek sin serlo él mismo; The Big Lebowski, Iron Man, Tron... por decir algunas.
Actor de reparto: Daito y Shoto
No lo sé, podría ser cualquiera. No pretendo ser discriminatorio, pero la mayoría de los actores de Japón tienen el mismo estilo y apariencia.
Banda sonora.
Numerosas referencias a los 80's dan poca necesidad de una banda sonora original. Sin embargo, John Williams o Carter Burwell harían un gran trabajo de ser necesario.
Por supuesto, este reparto tiene pocas posibilidades de ser elegido. No sería muy costoso más que por Jim Parsons, Gary Oldman/Kevin Spacey y quizá Jeff Bridges; todavía faltaría que aceptaran, y/o que a WB le pasara por la mente que este reparto sería lo mejor para todos... pero se vale soñar.
No es mi área, pero Facebook compró Oculus Rift. Escribo esto a un par de horas de que liberaran la noticia, y sinceramente... es bastante pintoresco. Es difícil seguir cegados y pensar que las redes sociales pasan desapercibidas en la vida diaria. Para verlo de manera sencilla, decidieron quién sería el hombre más poderoso del hombre libre en las elecciones pasadas, y han sido el medio que ha dirigido ya cuatro revoluciones. Afecta a la geopolítica, la economía, el modo en el que vivimos ahora. Por tanto, el que las redes sociales; en particular Facebook, adquieran nuevas tecnologías, es importante en sobre manera para todos nosotros. Y piensen en las aplicaciones, visitas a otros lugares del planeta o a otros planetas, cines, escuelas, museos, encuentros semi-personales, relaciones, lap-dances, consultas médicas, eventos públicos, todo! Cambiará la vida como la conocemos; por un proyecto que empezó con 250,000 dólares.
Este tema es tratado en un libro de ciencia ficción, llamado Ready Player One, que nos fue presentado por MJK; y trata de la evolución de un videojuego masivo llamado OASIS en el modo de vida moderno a causa del encarecimiento del combustible y transporte, la contaminación y la sobrepoblación; hay una empresa malvada, hay un héroe que lucha contra ella, etc. Por supuesto, los comentarios aludiendo a la similitud entre la realidad y la obra de Ernest Cline no se hicieron esperar.
Warner Bros ya había comprado los derechos del libro para hacer una película, y si han leído el libro, se darían cuenta que en realidad tiene un gran potencial para ser una película; las batallas, elementos de sci-fi y fantasía, referencias a la cultura pop y un ambiente viciado de videojuegos. Sin embargo, si Facebook sabe jugar sus cartas, el Nuevo Mundo tendrá lugar en poco tiempo, 2 o 3 años mínimo. Y si es así, Warner Bros sólo tendrá una obra de ficción sin nada que ofrecer.
Hablando con MJK sobre esto, decíamos que si Warner no saca la película ya, es decir, si en un mes no anuncia el guión y el director, no sacarán nada y será dinero perdido y un sueño sin cumplir (quiero ver esa película ON). Por supuesto, durante la conversación, surgió nuestro Dream Team para el reparto. Ojo; este reparto no está diseñado para ganar Óscares, sino para generar una película tremendísima, con impacto pop de 10 o superior.
Dirección.
Ah, elección difícil, pero redujimos a tres opciones, cada una con sus méritos y una película que logró convencernos.
Guillermo del Toro, por su magnífico trabajo en Pacific Rim, Zack Snyder por la estética de Man of Steel y Watchmen, y Edgar Wright por su ambientación en Scott Pilgrim versus the World. Como premio de consolación para J. J. Abrams, si los demás no dirigen, quizá él debería hacerlo.
Actor principal: Wade/Parzival
Esta fue difícil. Pero al final decidimos que siendo ésta película, con éste personaje, lo mejor sería tener un actor fresco con poca o nula experiencia actuando en películas grandes. El personaje de Wade tiene que estar gordo y ligeramente feo, y Parzival debe mantener sus características principales, con menos fealdad, por supuesto, así que ningún actor relativamente famoso se prestaría para ello. (Pensamos en Andrew Garfield y Matthew Lewis, pero no nos convencieron nunca.)
Actriz principal: Samantha/Art3mis
Vanessa Hudgens; por su papel en una película tan desdichada como Sucker Punch, para redimir su gran apariencia frente al público; Elle Fanning, todo lo bueno de Dakota sin sus fallas.
Actor de reparto: Nolan Sorrento/IOI#665433
Gary Oldman. Nació para ser villano, ése hombre, y podemos ver eso en The Fifth Element, True Romance, The Professional. Kevin Spacey. Sería grandioso, ver a un actor tan versátil en ese papel, en particular en lo inspirado por The Usual Suspects y House of Cards, ver ese juego de actuación en el dialogo con Parzival... uff. En el caso de que no se pueda, pues Hugo Weaving.
****SPOILERS****
Actor/actriz de reparto: Helen/Aech
Para la parte de Helen, Mo'nique o Gabourey Sidibe, para Aech, Chris Hemsworth, pero en realidad esta parte no tiene importancia en cuanto al actor, sin menospreciar al personaje
Actor de reparto: James Donovan Halliday/Anorak
Ashton Kutcher por su papel en Jobs, aunque sería algo meramente simbólico, Jim Parsons por su actuación en Big Bang Theory; no podemos negar que en la serie, al menos la primera temporada, es la tesis de la subcultura geek, y puede fácilmente interpretar a un genio excéntrico como lo es Halliday.
Actor de reparto: Ogden Morrow/Og
Jeff Bridges. Qué más podemos decir, su nombre es suficiente. ¿Quereís justificación? El hombre es un ícono de la cultura geek sin serlo él mismo; The Big Lebowski, Iron Man, Tron... por decir algunas.
Actor de reparto: Daito y Shoto
No lo sé, podría ser cualquiera. No pretendo ser discriminatorio, pero la mayoría de los actores de Japón tienen el mismo estilo y apariencia.
Banda sonora.
Numerosas referencias a los 80's dan poca necesidad de una banda sonora original. Sin embargo, John Williams o Carter Burwell harían un gran trabajo de ser necesario.
Por supuesto, este reparto tiene pocas posibilidades de ser elegido. No sería muy costoso más que por Jim Parsons, Gary Oldman/Kevin Spacey y quizá Jeff Bridges; todavía faltaría que aceptaran, y/o que a WB le pasara por la mente que este reparto sería lo mejor para todos... pero se vale soñar.
martes, 25 de marzo de 2014
Humanidad y la evolución de la personalidad
Crear un personaje es algo relativamente sencillo. Algunas situaciones aquí, respuestas allá, gestos característicos, y alguna ligera excentricidad es un personaje básico, no muy bueno, pero cumple su función. Por supuesto, en un medio en el que se puede exponer largamente al grupo de respuestas que tiene un personaje a un gran número de situaciones, es más sencillo, no crear, sino transmitir la idea de tu personaje. Por otro lado, medios más cortos - exempli gratia, el cine - La transmisión de la idea de un personaje es mucho más compleja, ya que, o te enfocas en la trama, o te enfocas en el personaje. Por supuesto, hay quienes han superado eso algunas veces y pueden crear grandes personajes en grandes películas (Ver: There will be blood, Inglourious Basterds, Fargo, Fight Club). Sin embargo, podemos ver que las películas comunes hechas por gente común son, o bien orientadas al personaje u orientadas a la trama, siendo más orientadas hacia el personaje los dramas, y más orientadas a la trama - y más importante, al concepto - la ciencia ficción.
Aún así, películas que se centran en el personaje tienen una gran carencia. Nuevamente, el tiempo es un factor determinante, pero los personajes en el cine, que es un arte que lleva ya casi 120 años, no se han desarrollado de manera completa; nuevas técnicas de actuación, dirección y escritura surgen, y la manera de transmitir un personaje carece de método; dependemos de genios creativos y de serendipia para ver grandes personajes, e incluso la colaboración de grandes escritores, directores y actores no nos asegura la visualización de un personaje capaz de transmitirse.
Además de esto, la clasificación del cine como un arte maduro, y por tanto, el surgimiento de "artistas modernos", impide la maduración correcta del cine; el intentar crear un estilo que rompa convenciones que aún no han sido establecidas en realidad desestabiliza el conocimiento creado sobre la creación de personaje. Es como intentar desarrollar nuevas tecnologías a partir de conocimientos incompletos, no llevará a ningún lado. Pero aún hay grandes personajes en películas que intentan retomar elementos clásicos del cine. Si ven, la mayoría de las películas que tienen grandes personajes, o son viejas o toman elementos neo-noir, western o retro en general.
También tiene que ver con la demoralización de las masas. Hace no tanto, unos 30-40 años, el cine enfocaba la calidad de los personajes en su protagonista, usualmente el buen tipo; el arquetipo de héroe abnegado. Sin embargo, en features más recientes, en particular después de los 80's, las corrientes mainstream del cine enfocaron la calidad de sus personajes en el villano. Y hay un fenómeno curioso. En medios más conservadores, o sea, Disney, sucede exactamente lo contrario. En particular en las princesas Disney. (Es más difícil para mi juzgar las películas live action de Disney, pues no estoy familiarizado con ellas.) En un salto de sólo dos años, el cambio es drástico. De The little Mermaid, que mantiene características similares a sus antecesores, pero aún así más moderna que éstas, a Beauty and the Beast. The little Mermaid mantiene al villano fuerte, y a la protagonista ingenua y... simple, aunque con una mayor independencia que las anteriores. Sólo observad sus ambiciones. Casarse. Not cool. Por otro lado, Bella, protagonista de Beauty and the beast, es un personaje mucho más maduro, más real y más acorde a las exigencias de la sociedad actual. Y el villano es más real de lo que parece, por que en realidad es Gastón, pero no transmite la idea de ser el villano. Lo que sí, es que son personajes más reales, más identificables, aunque por públicos pequeños. Es un pequeño sacrificio por obtener una mayor calidad.
Lo que nos lleva al análisis de la estructura de un personaje. Veamos la existencia de un personaje como un vector. Un personaje es unidimensional (generalmente malo o muy primitivo) cuando sólo viaja a través del tiempo; es una línea sobre un eje, y está ahí sólo para formar la trama. Son personajes que se construyen únicamente bajo una característica o un chiste recurrente (Vease "Independence Day", con especial atención a Jeff Goldblum). Luego están los personajes bidimensionales, que viajan a través del tiempo, es decir, forman la trama, pero aparte participan del eje "Y", el conocimiento del público sobre el personaje. No necesariamente son malos, e incluso algunos de los mejores personajes tienden a ser bidimensionales (Véase, "Star Wars", con atención a Darth Vader, o "The Big Lebowski" con atención al protagonista). Y por último están los personajes tridimensionales. Por supuesto, siendo la creación de personajes un arte primitivo, en el cine, no hay muchos, y los que hay, explotan la tridimensionalidad en maneras poco eficientes. Incluso los mejores personajes de la historia del cine no son muy eficientes en esto, y la mayoría de las razones de tridimensionalidad de estos personajes es un cambio en la personalidad del mismo, en el eje "Z" de la misma persona del personaje.
SPOILERS!!!!
There Will Be Blood: Daniel Day Lewis interpreta a Daniel Plainview. El papel es el de un hombre ambicioso que busca dinero a toda costa (Eso es ambicioso también, ¿no?), y no duda en usar gente para conseguirlo e incluso matar a quien intente aprovecharse de él. Él quiere suficiente dinero como para alejarse de todos. Sin embargo, hay un suceso que lo cambia, y desde ese punto, gran parte de la trama de la película gira al rededor de éste. El pozo que tanto les ha costado explota y afecta al falso hijo del magnate, lo que da pie a otros petroleros a humillarlo y al predicador del pueblo a retarlo todo el tiempo, generando una rivalidad. La personalidad de Daniel cambia a partir de ese punto, más no vuelve a cambiar, ni por Henry, ni Eli, o nadie. Sólo da un giro en la tercera dimensión, pero sigue siendo una línea.
Inglourious Basterds: Este es un caso más complejo. El Coronel Hans Landa, interpretado por Christoph Waltz, podría parecer un personaje bidimensional, y hasta cierto punto lo es; narcisista, detallista y sádico, construye un personaje muy complejo a lo largo de la trama, en particular con la gran escena que da inicio a la película, el diálogo con Perrier LaPadite (otra magistral actuación, aunque muy corta). Uno pensaría que el cambio que tiene este personaje se da casi al principio, cuando vemos que tiene piedad por Shoshana. Sin embargo, esto concuerda con el personaje, quien parece no dar la más mínima importancia al orgullo alemán (es austriaco), o a la esvástica. El cambio se da casi al final, cuando vende a su país por una casa en Nantucket, después de eso. ¿Por qué? Cuando Aldo (Pitt) dispara al operador de radio, Hans Landa deja atrás su narcisismo, su risa sádica, para volverse humano, y sentir miedo, por que es la primera vez en la que su inteligencia y labia no sirvió ni servirá de nada. Es un giro en la tercera dimensión, pero sigue siendo una línea.
The Usual Suspects: Menos complejo de entender, aunque igual de sorprendente, Roger Kint, interpretado por Kevin Spacey. Por mucho, mi personaje favorito de los mencionados. Lleva a otro nivel la bidimensionalidad, volviéndola tridimensional los últimos minutos del fin, ya que el conocimiento que el público tiene sobre él es completamente inválido (chascarrillo jocoso), al dar a conocer que toda la construcción del personaje que se dio durante el filme es una mentira, más sin embargo, la construcción de su verdadero personaje fue impersonal, dándose de todos modos. Aún así, son sólo dos líneas.
Lo que nos lleva a la pregunta: Si ninguno de estos es un personaje realmente tridimensional, ¿Cuál es EL personaje tridimensional?. ¿Qué personaje tiene tantos giros sobre su misma construcción como para considerarlo una figura tridimensional, o por lo menos un plano?
Durante largo tiempo me hice la misma pregunta, hasta que, una navidad, vi la película que resolvería mis dudas, y desde entonces, se volvió para mí, la cumbre de la construcción del personaje y el punto álgido de la historia de la escritura en el cine. La película con el mejor personaje de la historia es...
Die Hard (Duro de Matar): John McClane, interpretado por Bruce Willis, quien no destaca en el mundo de la actuación por ser particularmente talentoso (aunque sí lo es). ¿En qué me baso? Bueno, es un personaje que no cambia por una razón. Es un personaje que cambia gradualmente a lo largo de la película por diversas razones, en particular por - y esto es muy novedoso, incluso para el storytelling moderno - la evolución de una relación que no está en pantalla, y que sólo se da por el entendimiento de uno de los personajes; hablo de la relación entre John McClane y su esposa, y la evolución del altercado entre ellos por su trabajo sin intercambiar una sola palabra. Cambia además por la relación con el policía y Hans, el villano; además de su historia, el por qué es como es se explica, incluyendo la influencia de películas, la relación pasada con su esposa, etc. John McClane es el personaje más evolucionado de la historia del cine, y es genuinamente tridimensional. Es el personaje definitivo. Por desgracia, es una película infravalorada por la gente pretenciosa que enseña sobre cine por ser una película de acción, usualmente tenidas por bajo valor intelectual o artístico.
Eso es todo lo que tengo que decir al respecto.
DaCinemaCritic.
Aún así, películas que se centran en el personaje tienen una gran carencia. Nuevamente, el tiempo es un factor determinante, pero los personajes en el cine, que es un arte que lleva ya casi 120 años, no se han desarrollado de manera completa; nuevas técnicas de actuación, dirección y escritura surgen, y la manera de transmitir un personaje carece de método; dependemos de genios creativos y de serendipia para ver grandes personajes, e incluso la colaboración de grandes escritores, directores y actores no nos asegura la visualización de un personaje capaz de transmitirse.
Además de esto, la clasificación del cine como un arte maduro, y por tanto, el surgimiento de "artistas modernos", impide la maduración correcta del cine; el intentar crear un estilo que rompa convenciones que aún no han sido establecidas en realidad desestabiliza el conocimiento creado sobre la creación de personaje. Es como intentar desarrollar nuevas tecnologías a partir de conocimientos incompletos, no llevará a ningún lado. Pero aún hay grandes personajes en películas que intentan retomar elementos clásicos del cine. Si ven, la mayoría de las películas que tienen grandes personajes, o son viejas o toman elementos neo-noir, western o retro en general.
También tiene que ver con la demoralización de las masas. Hace no tanto, unos 30-40 años, el cine enfocaba la calidad de los personajes en su protagonista, usualmente el buen tipo; el arquetipo de héroe abnegado. Sin embargo, en features más recientes, en particular después de los 80's, las corrientes mainstream del cine enfocaron la calidad de sus personajes en el villano. Y hay un fenómeno curioso. En medios más conservadores, o sea, Disney, sucede exactamente lo contrario. En particular en las princesas Disney. (Es más difícil para mi juzgar las películas live action de Disney, pues no estoy familiarizado con ellas.) En un salto de sólo dos años, el cambio es drástico. De The little Mermaid, que mantiene características similares a sus antecesores, pero aún así más moderna que éstas, a Beauty and the Beast. The little Mermaid mantiene al villano fuerte, y a la protagonista ingenua y... simple, aunque con una mayor independencia que las anteriores. Sólo observad sus ambiciones. Casarse. Not cool. Por otro lado, Bella, protagonista de Beauty and the beast, es un personaje mucho más maduro, más real y más acorde a las exigencias de la sociedad actual. Y el villano es más real de lo que parece, por que en realidad es Gastón, pero no transmite la idea de ser el villano. Lo que sí, es que son personajes más reales, más identificables, aunque por públicos pequeños. Es un pequeño sacrificio por obtener una mayor calidad.
Lo que nos lleva al análisis de la estructura de un personaje. Veamos la existencia de un personaje como un vector. Un personaje es unidimensional (generalmente malo o muy primitivo) cuando sólo viaja a través del tiempo; es una línea sobre un eje, y está ahí sólo para formar la trama. Son personajes que se construyen únicamente bajo una característica o un chiste recurrente (Vease "Independence Day", con especial atención a Jeff Goldblum). Luego están los personajes bidimensionales, que viajan a través del tiempo, es decir, forman la trama, pero aparte participan del eje "Y", el conocimiento del público sobre el personaje. No necesariamente son malos, e incluso algunos de los mejores personajes tienden a ser bidimensionales (Véase, "Star Wars", con atención a Darth Vader, o "The Big Lebowski" con atención al protagonista). Y por último están los personajes tridimensionales. Por supuesto, siendo la creación de personajes un arte primitivo, en el cine, no hay muchos, y los que hay, explotan la tridimensionalidad en maneras poco eficientes. Incluso los mejores personajes de la historia del cine no son muy eficientes en esto, y la mayoría de las razones de tridimensionalidad de estos personajes es un cambio en la personalidad del mismo, en el eje "Z" de la misma persona del personaje.
SPOILERS!!!!
There Will Be Blood: Daniel Day Lewis interpreta a Daniel Plainview. El papel es el de un hombre ambicioso que busca dinero a toda costa (Eso es ambicioso también, ¿no?), y no duda en usar gente para conseguirlo e incluso matar a quien intente aprovecharse de él. Él quiere suficiente dinero como para alejarse de todos. Sin embargo, hay un suceso que lo cambia, y desde ese punto, gran parte de la trama de la película gira al rededor de éste. El pozo que tanto les ha costado explota y afecta al falso hijo del magnate, lo que da pie a otros petroleros a humillarlo y al predicador del pueblo a retarlo todo el tiempo, generando una rivalidad. La personalidad de Daniel cambia a partir de ese punto, más no vuelve a cambiar, ni por Henry, ni Eli, o nadie. Sólo da un giro en la tercera dimensión, pero sigue siendo una línea.
Inglourious Basterds: Este es un caso más complejo. El Coronel Hans Landa, interpretado por Christoph Waltz, podría parecer un personaje bidimensional, y hasta cierto punto lo es; narcisista, detallista y sádico, construye un personaje muy complejo a lo largo de la trama, en particular con la gran escena que da inicio a la película, el diálogo con Perrier LaPadite (otra magistral actuación, aunque muy corta). Uno pensaría que el cambio que tiene este personaje se da casi al principio, cuando vemos que tiene piedad por Shoshana. Sin embargo, esto concuerda con el personaje, quien parece no dar la más mínima importancia al orgullo alemán (es austriaco), o a la esvástica. El cambio se da casi al final, cuando vende a su país por una casa en Nantucket, después de eso. ¿Por qué? Cuando Aldo (Pitt) dispara al operador de radio, Hans Landa deja atrás su narcisismo, su risa sádica, para volverse humano, y sentir miedo, por que es la primera vez en la que su inteligencia y labia no sirvió ni servirá de nada. Es un giro en la tercera dimensión, pero sigue siendo una línea.
The Usual Suspects: Menos complejo de entender, aunque igual de sorprendente, Roger Kint, interpretado por Kevin Spacey. Por mucho, mi personaje favorito de los mencionados. Lleva a otro nivel la bidimensionalidad, volviéndola tridimensional los últimos minutos del fin, ya que el conocimiento que el público tiene sobre él es completamente inválido (chascarrillo jocoso), al dar a conocer que toda la construcción del personaje que se dio durante el filme es una mentira, más sin embargo, la construcción de su verdadero personaje fue impersonal, dándose de todos modos. Aún así, son sólo dos líneas.
Lo que nos lleva a la pregunta: Si ninguno de estos es un personaje realmente tridimensional, ¿Cuál es EL personaje tridimensional?. ¿Qué personaje tiene tantos giros sobre su misma construcción como para considerarlo una figura tridimensional, o por lo menos un plano?
Durante largo tiempo me hice la misma pregunta, hasta que, una navidad, vi la película que resolvería mis dudas, y desde entonces, se volvió para mí, la cumbre de la construcción del personaje y el punto álgido de la historia de la escritura en el cine. La película con el mejor personaje de la historia es...
Die Hard (Duro de Matar): John McClane, interpretado por Bruce Willis, quien no destaca en el mundo de la actuación por ser particularmente talentoso (aunque sí lo es). ¿En qué me baso? Bueno, es un personaje que no cambia por una razón. Es un personaje que cambia gradualmente a lo largo de la película por diversas razones, en particular por - y esto es muy novedoso, incluso para el storytelling moderno - la evolución de una relación que no está en pantalla, y que sólo se da por el entendimiento de uno de los personajes; hablo de la relación entre John McClane y su esposa, y la evolución del altercado entre ellos por su trabajo sin intercambiar una sola palabra. Cambia además por la relación con el policía y Hans, el villano; además de su historia, el por qué es como es se explica, incluyendo la influencia de películas, la relación pasada con su esposa, etc. John McClane es el personaje más evolucionado de la historia del cine, y es genuinamente tridimensional. Es el personaje definitivo. Por desgracia, es una película infravalorada por la gente pretenciosa que enseña sobre cine por ser una película de acción, usualmente tenidas por bajo valor intelectual o artístico.
Eso es todo lo que tengo que decir al respecto.
DaCinemaCritic.
viernes, 21 de marzo de 2014
Humanidades y clásicos del cine.
¿Cuál es la fórmula secreta?
¿Qué hace que un clásico se vuelva un clásico?
Ravioli Ravioli, dame el formuoli.
He aquí es fecha que la industria del cine no sabe qué es lo que hace a un clásico. Hace unos días veía The Karate Kid (La de Jackie Chan), pues salió en televisión abierta, y traía fresca la original del 84. Y pues, cómodo en la sala, me dispuse a disfrutar de un remake, cosa que rara vez hago, pero que a veces no me decepciona, como Cape Fear, o... Cape Fear está bien. En fin. Y la vi, no fue mala, fue una película, común y corriente. No era un clásico. Pero... ¿Cuáles eran las diferencias de ésta versión modernizada para la chaviza y la vieja, carismática y agradable? Bueno, en Karate Kid es un caso muy específico; pero vale la pena explicarlo, pues a fin de cuentas, todos los caminos llevan a Roma.
Los Personajes.
Es una fórmula sencilla, parece. Pero en realidad es un equilibrio delgadísimo, un margen muy pequeño para crear a un personaje clásico. Por que hay que ser conscientes de que un personaje clásico no es necesariamente bueno o viceversa. Y viendo eso, crear al personaje clásico es muy difícil. Ha de tener suficiente explicación para que no sea sólo un bulto que está ahí para que la trama avance, pero también debe ser suficientemente vago como para que quien la vea se pueda relacionar con él. Y parece sencillo, pero a la hora de describir al personaje, se atora en el desarrollo, viéndote en riesgo de volver a tu personaje muy específico. Daniel-san es relacionable por que es una persona normal en una situación en la que todos podemos vernos, es un poco ingenuo, medio rebelde, pero valiente y noble, en un mundo donde todos, a pesar de ser iguales a él, son hostiles. Dre está en un lugar extraño, que nadie conoce (ergo, no es relacionable), en un lugar donde todos son diferentes a él, cosa que no pasa comúnmente, en una cultura completamente extraña, y el personaje es temeroso y requiere de apoyo constante; nadie quiere ser ese tipo de héroe. Chequen, incluso es difícil encariñarse al personaje por que el nombre es extrañísimo, Dre, o Daniel. Luego está el señor Miyagi. ¿Cómo conocemos a Pat Morita? Como el señor Miyagi, por supuesto.¿Cómo conocemos a Jackie Chan? Por ser un comediante. ¿Cómo puede volverse él un símbolo de respeto? Miyagi inspiraba respeto, Han inspiraba risa. Además, Miyagi era un héroe de guerra, que a la Rambo (Curioso, por que la película está moldeada vagamente en Rocky) se arrepiente por lo que hizo en la guerra, algo terrible, y algo que presentaban en el momento justo. Por otro lado Han era un alcohólico que mató a un niño. Terrible, sí, pero no digno de respeto.
La chica.
La chica es un factor importante, y guía parte importante de la relación que uno forma con la película. Quizá tenga que ver con la edad que tenía... pero no sé. Elisabeth Shue tenía 20-21 años al hacer Karate kid, y era muy atractiva, quieran que no. Todos querrían a una mujer así (Superficialmente hablando, claro). En la nueva... es una niña china fea. Sería enfermo identificarse con eso. Creo que hasta te meten a la cárcel o algo.
La escena.
Todos recordamos la escena. No la escena, no, La ESCENA, sí, esa donde Daniel-san hace "la Grulla". Y es magnífica, por que representa mostrarse firme ante las adversidades e intentar aunque tengas todo en contra. En cambio, ¿cuál es la escena en la nueva? Uh... Claro. No tiene. Aunque si bien hay una escena que espejea la escena, no es lo mismo. ¿Es el movimiento más genial? Sí. ¿Podría hacer más daño que "la grulla"? Quizás. ¿Lo puedes hacer en tu casa, como "la grulla"? No. He ahí el problema. No es tan difícil de entender en realidad. Todas las películas clásicas tienen la escena. Y si bien hay películas que son muy buenas, no tienen la escena. Es por eso que no son clásicos, más los personajes, más la chica.
Ahora hay que entender la regla de oro. Nunca hagas un remake a un clásico. Si ha perdurado durante años, significa que no necesita nada. Y sí, te estoy viendo, Robocop, Total Recall, Carrie, Johnny Five, Highlander, Jumanji, Dirty Dancing, American Psycho... Neverending Story... Voy a llorar. Esos productores hambrientos de papel algodón, no tienen la menor chispa de decencia o vergüenza.
Por DaCinemaCritic.
¿Qué hace que un clásico se vuelva un clásico?
Ravioli Ravioli, dame el formuoli.
He aquí es fecha que la industria del cine no sabe qué es lo que hace a un clásico. Hace unos días veía The Karate Kid (La de Jackie Chan), pues salió en televisión abierta, y traía fresca la original del 84. Y pues, cómodo en la sala, me dispuse a disfrutar de un remake, cosa que rara vez hago, pero que a veces no me decepciona, como Cape Fear, o... Cape Fear está bien. En fin. Y la vi, no fue mala, fue una película, común y corriente. No era un clásico. Pero... ¿Cuáles eran las diferencias de ésta versión modernizada para la chaviza y la vieja, carismática y agradable? Bueno, en Karate Kid es un caso muy específico; pero vale la pena explicarlo, pues a fin de cuentas, todos los caminos llevan a Roma.
Los Personajes.
Es una fórmula sencilla, parece. Pero en realidad es un equilibrio delgadísimo, un margen muy pequeño para crear a un personaje clásico. Por que hay que ser conscientes de que un personaje clásico no es necesariamente bueno o viceversa. Y viendo eso, crear al personaje clásico es muy difícil. Ha de tener suficiente explicación para que no sea sólo un bulto que está ahí para que la trama avance, pero también debe ser suficientemente vago como para que quien la vea se pueda relacionar con él. Y parece sencillo, pero a la hora de describir al personaje, se atora en el desarrollo, viéndote en riesgo de volver a tu personaje muy específico. Daniel-san es relacionable por que es una persona normal en una situación en la que todos podemos vernos, es un poco ingenuo, medio rebelde, pero valiente y noble, en un mundo donde todos, a pesar de ser iguales a él, son hostiles. Dre está en un lugar extraño, que nadie conoce (ergo, no es relacionable), en un lugar donde todos son diferentes a él, cosa que no pasa comúnmente, en una cultura completamente extraña, y el personaje es temeroso y requiere de apoyo constante; nadie quiere ser ese tipo de héroe. Chequen, incluso es difícil encariñarse al personaje por que el nombre es extrañísimo, Dre, o Daniel. Luego está el señor Miyagi. ¿Cómo conocemos a Pat Morita? Como el señor Miyagi, por supuesto.¿Cómo conocemos a Jackie Chan? Por ser un comediante. ¿Cómo puede volverse él un símbolo de respeto? Miyagi inspiraba respeto, Han inspiraba risa. Además, Miyagi era un héroe de guerra, que a la Rambo (Curioso, por que la película está moldeada vagamente en Rocky) se arrepiente por lo que hizo en la guerra, algo terrible, y algo que presentaban en el momento justo. Por otro lado Han era un alcohólico que mató a un niño. Terrible, sí, pero no digno de respeto.
La chica.
La chica es un factor importante, y guía parte importante de la relación que uno forma con la película. Quizá tenga que ver con la edad que tenía... pero no sé. Elisabeth Shue tenía 20-21 años al hacer Karate kid, y era muy atractiva, quieran que no. Todos querrían a una mujer así (Superficialmente hablando, claro). En la nueva... es una niña china fea. Sería enfermo identificarse con eso. Creo que hasta te meten a la cárcel o algo.
La escena.
Todos recordamos la escena. No la escena, no, La ESCENA, sí, esa donde Daniel-san hace "la Grulla". Y es magnífica, por que representa mostrarse firme ante las adversidades e intentar aunque tengas todo en contra. En cambio, ¿cuál es la escena en la nueva? Uh... Claro. No tiene. Aunque si bien hay una escena que espejea la escena, no es lo mismo. ¿Es el movimiento más genial? Sí. ¿Podría hacer más daño que "la grulla"? Quizás. ¿Lo puedes hacer en tu casa, como "la grulla"? No. He ahí el problema. No es tan difícil de entender en realidad. Todas las películas clásicas tienen la escena. Y si bien hay películas que son muy buenas, no tienen la escena. Es por eso que no son clásicos, más los personajes, más la chica.
Ahora hay que entender la regla de oro. Nunca hagas un remake a un clásico. Si ha perdurado durante años, significa que no necesita nada. Y sí, te estoy viendo, Robocop, Total Recall, Carrie, Johnny Five, Highlander, Jumanji, Dirty Dancing, American Psycho... Neverending Story... Voy a llorar. Esos productores hambrientos de papel algodón, no tienen la menor chispa de decencia o vergüenza.
Por DaCinemaCritic.
martes, 18 de marzo de 2014
Humanidades y comedias
Desde el inicio de la historia del entretenimiento (se cree que el primer comediante fue un homínido que, queriendo alcanzar una fruta se golpeó la entrepierna), ha habido gente que se ha querido hacer "el gracioso" sin tener absoluta gracia (que fue el sujeto que creyó que era divertido saltar en las ramas para golpearse la entrepierna).
Cuando no tienes gracia, no tienes gracia y debes aceptarlo. Si te quieres dedicar a las artes escénicas, y no eres gracioso, dedícate al drama. Si tampoco tienes talento, entonces haz cine de arte. Y es que es triste ver películas que quieren aparentar ser graciosas y no lo son, y fuerzan los chistes, o recurren a aquellos que, de tan trillados, aburren. Pero vamos a algo más básico.
La risa grabada.
Cuando el talento de un escritor decae en televisión, o simplemente no tenía talento, existen dos palabras que salvan un screenplay de ir a la basura. --Canned Laugh-- Es un recurso tan desagradable, indicándote cuándo debes reír, aún cuando la situación no es graciosa. Veamos un fragmento del guión original de un capítulo de E-Cathy.
Cathy: Pero, Bab, no podemos cobrar a los niños por internet --cann'd laugh--
Bab: ¿Y por qué no? --cann'd laugh--
Cathy: Por que es ilegal --cann'd laugh--
Bab: Te golpearé con este churro relleno -canned laugh-
"Bab saca un churro relleno y golpea a Cathy repetidas veces con éste"
Cathy: ¡Hey, no me golpees con tu churro relleno! -Ultra canned laugh-
Otro ejemplo es la serie de Endosymbiosis hypothesis
Robert: Compadre, somos tan multiétnicos... -Canned laughter-
George: No entiendo por qué dices eso, ciencia ciencia, referencias al sexo, genitales, genitales -Canned laughter-
Marty: De hecho. -Ultra laughter-
Lo mismo pasa con la serie de Buds.
Verónica: ¿Por qué no agradeciste por mi regalo de navidad?
Millie: ¿Esperabas que te enviara una tarjeta?
Verónica: Pues... Sí! -ULTIMATE CANNED LAUGHTER-
Dewey: ¿Se han dado cuenta de que no hay afroamericanos en este programa?
"Silencio incómodo"
(Cualquier parecido con una producción real es evidente)
Es un recurso bajo, que sirve para silenciar lo malo del chiste. Incluso, si recuerdan Fresh Prince of Bel-Air, Will Smith esperaba a que terminaran las risas para seguir hablando.
LOS TRES CHISTES.
Podemos recordar a través de la historia del entretenimiento escrito o actuado tres chistes que arruinan la mejor de las producciones. Y es que, ni siquiera son trillados, por que el hecho, es que simplemente no dan risa; nunca fueron citados como recurrentes o comunes en la cultura popular o en la cultura en general. No sólo eso, sino que son terribles. Cuando necesitas rellenar en un guión, puedes simplemente poner ese chiste, pero es peligroso... puede arruinarte para siempre.
Chiste del Vorgoloth.
"...we come battling here like Blichstein..."
-Thor, Avengers (2012)
Repetidas veces, en programas y películas de fantasía y ciencia ficción, vemos este chiste. En qué consiste.
Fase 1. Insulto.
I: Pareces un VORGOLOTH.
Fase 2. Pregunta.
D: ¿Qué es un VORGOLOTH?
Fase 3a. Ruina.
I: Es como un Shiskamonic, pero más peludo.
Fase 3b. Más ruina.
I: Ya tu sabes, es grande, peludo y supura azufre... realmente feo.
Fase 3c. Ruina Definitiva.
I: (Mira a otro lado) Mira! Una nave espacial!
¿Para qué existe ese chiste? ¿Es para remarcar que son extraterrestres o provienen de tierras fantásticas? Es poco probable que lo olvidemos, ya que al rededor de ésto suele girar la película. Si bien no es así, esos chistes son terribles. Si esos animales/bestias/tías no existen en el planeta que visitan, ¿qué caso tiene hacer la referencia? De todos modos, creo que no haría reír ni siquiera a los habitantes de donde surgió el chiste...
Tío Earl.
"...what can't Uncle Earl do with his braid..."
-Miley Cirus, Hannah Montana (?)
La estructura del chiste en sí es tonta. Sólo es decir que el tío o un familiar cercano hace algo raro. Es como una mala imitación del humor slapstick, pero sin lo gracioso que trae cualquier imitación. Es como si yo dijera:
"Pues mi tía Ana puede pintarse las uñas de la mano izquierda con la mano izquierda". Grandioso, ¿no?
Can I have my Kids Choice Award nao?
Sonda espacial Voyager.
"...looks like a Kubrick film..."
-Estereotipo de pelmazo genérico, Phineas y Ferb (?)
Hacer una referencia es peligroso. Tienes que ponerla en el momento justo, tiene que ir con la corriente, y es más peligroso si quieres que la noten. Una referencia forzada es molesta e incómoda; te hace sentir inteligente un segundo y luego te das cuenta de que realmente todo era una ilusión, que cualquiera que haya ido a ver las nominadas de los últimos años la podría captar en segundos. Y aquí es donde podemos separar a los referencistas.
Suaves: No dependen de las referencias para la trama, no representan gran parte de ella o simple y sencillamente sólo apoyan a la estética de la cinematografía, i.e., no son vitales más que para el espectador visual.
Atrabanca'as: La trama depende completamente de ellas, y sin las mismas, la película no podría tener un desenlace o simplemente existir. Son aburridas, suelen ser escenas vitales y referencian películas como las de Kubrick, Formás, Kurosawa o Godard. Osease, películas que nadie va a reconocer ya sea por que no son conocidas o populares (buenas, más no populares). Eso es ser fantoche y, tenemos una palabra especial, pedorro. Esto es que la presión de gas de la cabeza sale por el recto. Es ser pedante y faramalloso y no saber hacer sino un trabajo chambón y mal hecho.
Por DaCinemaCritic
Cuando no tienes gracia, no tienes gracia y debes aceptarlo. Si te quieres dedicar a las artes escénicas, y no eres gracioso, dedícate al drama. Si tampoco tienes talento, entonces haz cine de arte. Y es que es triste ver películas que quieren aparentar ser graciosas y no lo son, y fuerzan los chistes, o recurren a aquellos que, de tan trillados, aburren. Pero vamos a algo más básico.
La risa grabada.
Cuando el talento de un escritor decae en televisión, o simplemente no tenía talento, existen dos palabras que salvan un screenplay de ir a la basura. --Canned Laugh-- Es un recurso tan desagradable, indicándote cuándo debes reír, aún cuando la situación no es graciosa. Veamos un fragmento del guión original de un capítulo de E-Cathy.
Cathy: Pero, Bab, no podemos cobrar a los niños por internet --cann'd laugh--
Bab: ¿Y por qué no? --cann'd laugh--
Cathy: Por que es ilegal --cann'd laugh--
Bab: Te golpearé con este churro relleno -canned laugh-
"Bab saca un churro relleno y golpea a Cathy repetidas veces con éste"
Cathy: ¡Hey, no me golpees con tu churro relleno! -Ultra canned laugh-
Otro ejemplo es la serie de Endosymbiosis hypothesis
Robert: Compadre, somos tan multiétnicos... -Canned laughter-
George: No entiendo por qué dices eso, ciencia ciencia, referencias al sexo, genitales, genitales -Canned laughter-
Marty: De hecho. -Ultra laughter-
Lo mismo pasa con la serie de Buds.
Verónica: ¿Por qué no agradeciste por mi regalo de navidad?
Millie: ¿Esperabas que te enviara una tarjeta?
Verónica: Pues... Sí! -ULTIMATE CANNED LAUGHTER-
Dewey: ¿Se han dado cuenta de que no hay afroamericanos en este programa?
"Silencio incómodo"
(Cualquier parecido con una producción real es evidente)
Es un recurso bajo, que sirve para silenciar lo malo del chiste. Incluso, si recuerdan Fresh Prince of Bel-Air, Will Smith esperaba a que terminaran las risas para seguir hablando.
LOS TRES CHISTES.
Podemos recordar a través de la historia del entretenimiento escrito o actuado tres chistes que arruinan la mejor de las producciones. Y es que, ni siquiera son trillados, por que el hecho, es que simplemente no dan risa; nunca fueron citados como recurrentes o comunes en la cultura popular o en la cultura en general. No sólo eso, sino que son terribles. Cuando necesitas rellenar en un guión, puedes simplemente poner ese chiste, pero es peligroso... puede arruinarte para siempre.
Chiste del Vorgoloth.
"...we come battling here like Blichstein..."
-Thor, Avengers (2012)
Repetidas veces, en programas y películas de fantasía y ciencia ficción, vemos este chiste. En qué consiste.
Fase 1. Insulto.
I: Pareces un VORGOLOTH.
Fase 2. Pregunta.
D: ¿Qué es un VORGOLOTH?
Fase 3a. Ruina.
I: Es como un Shiskamonic, pero más peludo.
Fase 3b. Más ruina.
I: Ya tu sabes, es grande, peludo y supura azufre... realmente feo.
Fase 3c. Ruina Definitiva.
I: (Mira a otro lado) Mira! Una nave espacial!
¿Para qué existe ese chiste? ¿Es para remarcar que son extraterrestres o provienen de tierras fantásticas? Es poco probable que lo olvidemos, ya que al rededor de ésto suele girar la película. Si bien no es así, esos chistes son terribles. Si esos animales/bestias/tías no existen en el planeta que visitan, ¿qué caso tiene hacer la referencia? De todos modos, creo que no haría reír ni siquiera a los habitantes de donde surgió el chiste...
Tío Earl.
"...what can't Uncle Earl do with his braid..."
-Miley Cirus, Hannah Montana (?)
La estructura del chiste en sí es tonta. Sólo es decir que el tío o un familiar cercano hace algo raro. Es como una mala imitación del humor slapstick, pero sin lo gracioso que trae cualquier imitación. Es como si yo dijera:
"Pues mi tía Ana puede pintarse las uñas de la mano izquierda con la mano izquierda". Grandioso, ¿no?
Can I have my Kids Choice Award nao?
Sonda espacial Voyager.
"...looks like a Kubrick film..."
-Estereotipo de pelmazo genérico, Phineas y Ferb (?)
Hacer una referencia es peligroso. Tienes que ponerla en el momento justo, tiene que ir con la corriente, y es más peligroso si quieres que la noten. Una referencia forzada es molesta e incómoda; te hace sentir inteligente un segundo y luego te das cuenta de que realmente todo era una ilusión, que cualquiera que haya ido a ver las nominadas de los últimos años la podría captar en segundos. Y aquí es donde podemos separar a los referencistas.
Suaves: No dependen de las referencias para la trama, no representan gran parte de ella o simple y sencillamente sólo apoyan a la estética de la cinematografía, i.e., no son vitales más que para el espectador visual.
Atrabanca'as: La trama depende completamente de ellas, y sin las mismas, la película no podría tener un desenlace o simplemente existir. Son aburridas, suelen ser escenas vitales y referencian películas como las de Kubrick, Formás, Kurosawa o Godard. Osease, películas que nadie va a reconocer ya sea por que no son conocidas o populares (buenas, más no populares). Eso es ser fantoche y, tenemos una palabra especial, pedorro. Esto es que la presión de gas de la cabeza sale por el recto. Es ser pedante y faramalloso y no saber hacer sino un trabajo chambón y mal hecho.
Por DaCinemaCritic
martes, 11 de marzo de 2014
Humanidades y violencia.
Y me entero que a estas fechas han criticado fuertemente Django Unchained y Gangster Squad por la gran cantidad de violencia, y lo ligan a un tiroteo en EU. No digo que la violencia en los medios no afecte a la sociedad, lo hace, pero no al punto de volver a la gente violenta. Más bien en un sentido de insensibilización. Es decir, yo he visto películas violentas, muy muy violentas y llenas de sangre (De IMDb: There are plenty of explosion and massacre scenes with a lot of blood.) No obstante, y muy al contrario de lo que dice gente joven que no está acostumbrada a ver cine de tal magnitud de violencia, jamás he sentido necesidad o impulso de golpear (y mucho menos matar) a algún inocente (o culpable). Así que puedo afirmar, yo siendo el consumidor, que el cine no impulsa a la violencia.
No obstante, podemos interceder un poco por las asociaciones de padres humanistas puritanos contra la violencia que yo prefiero mis películas con violencia estilizada, sazonada con un poco de humor negro. La violencia que veo yo es hecha con el fin de entretener, no de asquear.
Escuelas de la violencia.
Grindhouse.
Slasha'.
D: Hablamos de la misma película, ¿no? La del sujeto que mata gente y la gente se muere...
I: Pero es que los mata y él no quiere matar!
D: Si quiero ver muertes intensas veo The Lion King.
I: No! Es que es muy interesante si te interesa!
D: Si te interesa ver cómo desazan gentes...
I: Pero tu has visto películas muy violentas!
D: Pues sí. Pero vamos a ver. Matar por dinero... matar por venganza... matar por miedo... creo que es más interesante que matar por matar.
Texas Chainsaw Massacre.
La que está hecha con el fin de entretener, la violencia estilizada,a la cual llamaremos "Grindhouse" (Grindhouse fue un tipo de cine que exhibía películas de baja calidad, que usualmente combinaban el gore y el sexploitation) y la que está hecha con el fin de asquear, la violencia explícita, a la cual llamaremos "Slasher" (Slasher es un género de película que suele tratar de asesinos seriales y hay escenas muy explícitas de violencia y sangre y muerte y niños) son las dos escuelas de violencia que predominan estos días. Habrá más, yo no sé, la mayoría caben en estos géneros. Cómo diferenciarlas? Bueno, es sencillo. Expendables es "Grindhouse", Texas Chainsaw Massacre es "Slasher".
Comenzando por el inicio, el primero que comenzó a exhibir violencia estilizada fue el maestro del cine clásico de suspenso, y aún considerado uno de los más grandes, Alfred Hitchcock (de quien, por cierto, ya sacaron película). Todos recordamos, si bien no la escena original, por lo menos las múltiples referencias en televisión la bañera de Psycho, la mujer aterrada, las escenas del cuerpo desnudo, el cuchillo y la sangre. ¿Era eso asqueroso? NO. ¿Disgustante? MENOS. Era entretenido, y no había nada gráfico de sesos explotando o sierras involucradas en el área abdominal. Más recientemente podemos citar el trabajo de Quentin Tarantino o los hermanos Joel e Ethan Coen, maestros de la violencia. La violencia que utiliza Tarantino, a pesar de estar inspirada en el cine Grindhouse (refiriendose al Gore), resulta, por las múltiples referencias a la cultura pop y la influencia del Spaghetti Western, termina siendo un poco chusca y hasta entretenida, como podemos apreciar de manera impactante con la muerte de Marvin en Pulp Fiction. Incluso en Death Proof, que se supone es una película Grindhouse, el modo de asesinar de Stuntman Mike es tan ingenioso que no resulta asqueroso (Bueno, sí :I, pero es entretenido), y de los hermanos Coen, ni hablar. Digamos la escena de Fargo, donde Carl Showalter es destrozado en una trituradora de madera (cosa que es referenciada en Monsters Inc.). O los asesinatos de Antón Chigurh. Incluso el suicidio de Waring Hudsucker. Incluso la explosiva ira de Walter y la muerte de Donny ( :'( ) (Son las que he visto, ya conseguí más). Podríamos decir que ellos, a los que yo considero los mejores directores de nuestros tiempos (Ya daré mi lista luego.), son los máximos exponentes de la violencia sana.
MORBOSOS!!! USTEDES QUE VEN SAW Y ESAS COSAS!!!! Bueno, hay quienes dicen que Saw es una buena película, sinceramente no me gusta. Y es que ver Slashers es como ver porno. No lo haces por que es bueno, lo haces por morbo. Yo sé que el morbo es la principal fuente de poder del entretenimiento, pero eso no es excusa para ir a ver como destazan un pobre diablo. Y conozco gente que ve eso y le molesta que alguien le grite a su perro. Eso sí es inhumano.
D: Es que... es desagradable. Sí efectos muy bonitos y todo, muy interesante la técnica, pero es morboso.
I: No, es que la trama es profunda y...
Ésta pila de digestión defectuosa merece un apartado especial. No hago una reseña aparte por que me parece ilógico poner todo en los contras y poner un 0 de calificación. Si no la has visto, no la veas. Si ya la viste, olvídala. Si la acabas de ver y no puedes olvidarla, ve The Holy Mountain. Es traumante y horrible, pero la olvidarás por que la olvidarás. Además, la acabo de ver. Creánme que ya estuve buscando The Holy Mountain un rato. Luego de vomitar masivamente en mi baño, y ver Fargo para tranquilizarme, aún no puedo creerlo. Lloro. De veras. Me intenté lavar los ojos, pero el horror (y no en el sentido de que la película tuvo éxito) no salió, creo que está impregnado en mis córneas.
No la vi completa, realmente. No la soporté. Así que en realidad no puedo hacer una reseña. Entendí que había unos chicos en onda, que fumaban marihuana, el sargento que no parpadea de Full Metal Jacket, gente maldicienta, y una familia de rednecks. Ak parecer, todos son caníbales, pero el sustento lo trae su hijo con motosierra, que es feo.
Inter: En toooooodas las películas slasher que suceden en el campo, todos son feos. Los feos no somos asesinos; no todos los asesinos son feos. Y eso es muy triste, por que la impresión que dan los medios, y los estereotipos sí son propiedad y responsabilidad de los medios, es que los feos somos malos. Y lo único que logran, es que la segregación social vuelva malos a los feos. En fin. Fin del Inter.
Al final, luego de varias sangrientas escenas de piernas cortadas y un chico que es colgado de un gancho de carne, (diablos, eso es grotesco) la chica escapa de los caníbales. En algún punto entra a la casa de los rednecks, y se da cuenta que tienen un niño robado (Ellos también son feos. El niño no. Bueno, sí.) Entonces, la chica escapa y atropella al señor feo, y luego choca con el motosierro. Y ya. Todo para nada. Les dije ya que lloré? Pues les mentí. Sólo vomité. Pero eso no le quita que es una película sucia que denigra el cine por el simple hecho de haber sido impresa en celuloide.
No puedo esperar a ver The Holy Mountain.
No obstante, podemos interceder un poco por las asociaciones de padres humanistas puritanos contra la violencia que yo prefiero mis películas con violencia estilizada, sazonada con un poco de humor negro. La violencia que veo yo es hecha con el fin de entretener, no de asquear.
Escuelas de la violencia.
Grindhouse.
Slasha'.
D: Hablamos de la misma película, ¿no? La del sujeto que mata gente y la gente se muere...
I: Pero es que los mata y él no quiere matar!
D: Si quiero ver muertes intensas veo The Lion King.
I: No! Es que es muy interesante si te interesa!
D: Si te interesa ver cómo desazan gentes...
I: Pero tu has visto películas muy violentas!
D: Pues sí. Pero vamos a ver. Matar por dinero... matar por venganza... matar por miedo... creo que es más interesante que matar por matar.
Texas Chainsaw Massacre.
La que está hecha con el fin de entretener, la violencia estilizada,a la cual llamaremos "Grindhouse" (Grindhouse fue un tipo de cine que exhibía películas de baja calidad, que usualmente combinaban el gore y el sexploitation) y la que está hecha con el fin de asquear, la violencia explícita, a la cual llamaremos "Slasher" (Slasher es un género de película que suele tratar de asesinos seriales y hay escenas muy explícitas de violencia y sangre y muerte y niños) son las dos escuelas de violencia que predominan estos días. Habrá más, yo no sé, la mayoría caben en estos géneros. Cómo diferenciarlas? Bueno, es sencillo. Expendables es "Grindhouse", Texas Chainsaw Massacre es "Slasher".
Comenzando por el inicio, el primero que comenzó a exhibir violencia estilizada fue el maestro del cine clásico de suspenso, y aún considerado uno de los más grandes, Alfred Hitchcock (de quien, por cierto, ya sacaron película). Todos recordamos, si bien no la escena original, por lo menos las múltiples referencias en televisión la bañera de Psycho, la mujer aterrada, las escenas del cuerpo desnudo, el cuchillo y la sangre. ¿Era eso asqueroso? NO. ¿Disgustante? MENOS. Era entretenido, y no había nada gráfico de sesos explotando o sierras involucradas en el área abdominal. Más recientemente podemos citar el trabajo de Quentin Tarantino o los hermanos Joel e Ethan Coen, maestros de la violencia. La violencia que utiliza Tarantino, a pesar de estar inspirada en el cine Grindhouse (refiriendose al Gore), resulta, por las múltiples referencias a la cultura pop y la influencia del Spaghetti Western, termina siendo un poco chusca y hasta entretenida, como podemos apreciar de manera impactante con la muerte de Marvin en Pulp Fiction. Incluso en Death Proof, que se supone es una película Grindhouse, el modo de asesinar de Stuntman Mike es tan ingenioso que no resulta asqueroso (Bueno, sí :I, pero es entretenido), y de los hermanos Coen, ni hablar. Digamos la escena de Fargo, donde Carl Showalter es destrozado en una trituradora de madera (cosa que es referenciada en Monsters Inc.). O los asesinatos de Antón Chigurh. Incluso el suicidio de Waring Hudsucker. Incluso la explosiva ira de Walter y la muerte de Donny ( :'( ) (Son las que he visto, ya conseguí más). Podríamos decir que ellos, a los que yo considero los mejores directores de nuestros tiempos (Ya daré mi lista luego.), son los máximos exponentes de la violencia sana.
MORBOSOS!!! USTEDES QUE VEN SAW Y ESAS COSAS!!!! Bueno, hay quienes dicen que Saw es una buena película, sinceramente no me gusta. Y es que ver Slashers es como ver porno. No lo haces por que es bueno, lo haces por morbo. Yo sé que el morbo es la principal fuente de poder del entretenimiento, pero eso no es excusa para ir a ver como destazan un pobre diablo. Y conozco gente que ve eso y le molesta que alguien le grite a su perro. Eso sí es inhumano.
D: Es que... es desagradable. Sí efectos muy bonitos y todo, muy interesante la técnica, pero es morboso.
I: No, es que la trama es profunda y...
Ésta pila de digestión defectuosa merece un apartado especial. No hago una reseña aparte por que me parece ilógico poner todo en los contras y poner un 0 de calificación. Si no la has visto, no la veas. Si ya la viste, olvídala. Si la acabas de ver y no puedes olvidarla, ve The Holy Mountain. Es traumante y horrible, pero la olvidarás por que la olvidarás. Además, la acabo de ver. Creánme que ya estuve buscando The Holy Mountain un rato. Luego de vomitar masivamente en mi baño, y ver Fargo para tranquilizarme, aún no puedo creerlo. Lloro. De veras. Me intenté lavar los ojos, pero el horror (y no en el sentido de que la película tuvo éxito) no salió, creo que está impregnado en mis córneas.
No la vi completa, realmente. No la soporté. Así que en realidad no puedo hacer una reseña. Entendí que había unos chicos en onda, que fumaban marihuana, el sargento que no parpadea de Full Metal Jacket, gente maldicienta, y una familia de rednecks. Ak parecer, todos son caníbales, pero el sustento lo trae su hijo con motosierra, que es feo.
Inter: En toooooodas las películas slasher que suceden en el campo, todos son feos. Los feos no somos asesinos; no todos los asesinos son feos. Y eso es muy triste, por que la impresión que dan los medios, y los estereotipos sí son propiedad y responsabilidad de los medios, es que los feos somos malos. Y lo único que logran, es que la segregación social vuelva malos a los feos. En fin. Fin del Inter.
Al final, luego de varias sangrientas escenas de piernas cortadas y un chico que es colgado de un gancho de carne, (diablos, eso es grotesco) la chica escapa de los caníbales. En algún punto entra a la casa de los rednecks, y se da cuenta que tienen un niño robado (Ellos también son feos. El niño no. Bueno, sí.) Entonces, la chica escapa y atropella al señor feo, y luego choca con el motosierro. Y ya. Todo para nada. Les dije ya que lloré? Pues les mentí. Sólo vomité. Pero eso no le quita que es una película sucia que denigra el cine por el simple hecho de haber sido impresa en celuloide.
No puedo esperar a ver The Holy Mountain.
martes, 4 de marzo de 2014
Humanidades y recargos por morboso
morbo /ˈmoɾ.βo/ sust. 1. Interés malsano por personas o cosas.
2. Atracción hacia acontecimientos desagradables.
Diccionario de la Lengua Española
Vigésimo segunda edición.
El morbo es el motor de la industria del cine.
El morbo puede ser dividido en dos tipos, como la mayoría de las cosas. El morbo sádico, que implica ver grandes cantidades de sangre, órganos, tripas, incluso cabezas cercenadas. Entre más sangrienta y desagradable sea la película, más morbosos son los asistentes. El morbo sexual, en cambio, y fíjense, que el morbo más morboso no se encuentra en la pornografía, sino en las películas eróticas. Y es que en las películas románticas, que se supone tienen una cantidad de amor y eso mayor que en una porno, hay escenas de sexo. No podemos desligar el sexo del amor, somos animales, al fin y al cabo, pero eso no le quita que es un tabú. Es tan morboso, que en la escena después del acto, la mujer aparece completamente cubierta hasta el cuello y el hombre hasta la cintura. Las cobijas tienen forma de L. En el porno por lo menos son sinceros. Simplemente observen cada cualidad morbosa que hay en las películas.
Hay géneros de películas destinados a explotar el morbo, como son las llamadas "exploitation", y fueron muy populares desde los 70's. Hasta la fecha. Pero quien esté libre de culpa que lance la primera piedra. Todos, hasta cierto punto, somos morbosos, y es por eso que las películas violentas y románticas siempre han tenido gran aceptación por todos.
Ya habíamos mencionado anteriormente que las principales fuerzas son las películas bélicas o los dramas políticos. ¿Cuál es considerada por muchos la mejor película que hay? The Godfather, plagada de violencia. The Good, the Bad and the Ugly, también ultra violenta. Las películas de Kubrick, las que suelen girar alrededor de la violencia. Las películas de Scorsese, super violentas. Y las que no, sexosas. Pero fue gracias a los 60's que el morbo hacia el sexo ha ido disminuyendo. Por tanto, el único morbo que prevalecerá es el que no se puede satisfacer, a menos que te muestren imágenes violentas oyendo Beethoven, el morbo de la violencia. Pero la violencia del cine es como la violencia real; te acostumbras al grado de volverte insensible. Y a pesar de que hay más sub categorías del morbo sexual (Muchos habrán conocido las prácticas BDSM, no por experiencia, más sí por contacto mediático), hay más vaciado de violencia en el cine, lo que revierte en una cultura insensible a la violencia, que cada vez necesita más y más violencia. Y es por eso que antes teníamos The Lord of the Flies y ahora tenemos Saw XIV. Por supuesto, ésto es en Occidente, podemos ver Sanjuro, de Kurosawa, película japonesa llena de sangre en blanco y negro, hecha en 1961.
Hace poco, en un canal de televisión abierta pasaron una película "Hostel", escrita y dirigida por Eli Roth. Aunque es más conocido por su trabajo como actor, él tiene alguna trayectoria en las películas Gore/slasher, como es ésta. Empezó dirigiendo la película "Cabin Woods", que también es un Slasher, pero tiene una trama clásica. En cambio, Hostel tiene una trama innovadora. Una película violenta que critica la violencia exaltando la violencia.
Inter: La página no apoya o critica la violencia. Bueno, quizá sí la apoya en el cine. A pesar de criticar la violencia descriptiva y morbosa, todos disfrutamos películas violentas, y violentas en exceso. Hemos dicho ya que Tarantino, los hermanos Coen, Scorsese y otros, aunque no hemos mencionado a otros dignos como Brian De Palma o Francis Ford Coppola, son los que crean las películas más disfrutables.
La idea es muy original, y representa el deseo Junguiano de mostrar el lado animal y violento, tratando de descargar todo el deseo de violencia que jamás será satisfecho.
Por el lado del morbo sexual, tenemos que la insensibilización es un sable de dos filos. Por un lado, el tabú que se había formado alrededor del tema se ha roto, ha develado lo que tenía dentro, ha hecho a lo humano algo agradable, y no algo sucio. Por otro lado, la precocidad aumenta, así como las maneras de satisfacer o satisfacerse, siempre buscando más, como en todo. ¿De esto tiene la culpa el cine? Podríamos hacer mención especial a Lolita, de Kubrick, o Calígula, de Tinto Brass, más no creo que sea necesario.
Creo que la liberación del sexo es una historia que todos conocemos. Pero tiene su lado bueno. Alguna vez un director dijo: "A veces creo que Alva Edison creó la cámara para grabar la violencia...". Por el otro lado, somos animales, jamás podremos deshacernos de ese dejo bestial que tenemos. No hay necesidad de denigrar los deseos humanos convirtiéndolos en algo sucio y malsano. Esperemos que nunca exista una liberación de la violencia; o no habrá más cine que la pueda mostrar, o público que la vea.
2. Atracción hacia acontecimientos desagradables.
Diccionario de la Lengua Española
Vigésimo segunda edición.
El morbo es el motor de la industria del cine.
El morbo puede ser dividido en dos tipos, como la mayoría de las cosas. El morbo sádico, que implica ver grandes cantidades de sangre, órganos, tripas, incluso cabezas cercenadas. Entre más sangrienta y desagradable sea la película, más morbosos son los asistentes. El morbo sexual, en cambio, y fíjense, que el morbo más morboso no se encuentra en la pornografía, sino en las películas eróticas. Y es que en las películas románticas, que se supone tienen una cantidad de amor y eso mayor que en una porno, hay escenas de sexo. No podemos desligar el sexo del amor, somos animales, al fin y al cabo, pero eso no le quita que es un tabú. Es tan morboso, que en la escena después del acto, la mujer aparece completamente cubierta hasta el cuello y el hombre hasta la cintura. Las cobijas tienen forma de L. En el porno por lo menos son sinceros. Simplemente observen cada cualidad morbosa que hay en las películas.
Hay géneros de películas destinados a explotar el morbo, como son las llamadas "exploitation", y fueron muy populares desde los 70's. Hasta la fecha. Pero quien esté libre de culpa que lance la primera piedra. Todos, hasta cierto punto, somos morbosos, y es por eso que las películas violentas y románticas siempre han tenido gran aceptación por todos.
Ya habíamos mencionado anteriormente que las principales fuerzas son las películas bélicas o los dramas políticos. ¿Cuál es considerada por muchos la mejor película que hay? The Godfather, plagada de violencia. The Good, the Bad and the Ugly, también ultra violenta. Las películas de Kubrick, las que suelen girar alrededor de la violencia. Las películas de Scorsese, super violentas. Y las que no, sexosas. Pero fue gracias a los 60's que el morbo hacia el sexo ha ido disminuyendo. Por tanto, el único morbo que prevalecerá es el que no se puede satisfacer, a menos que te muestren imágenes violentas oyendo Beethoven, el morbo de la violencia. Pero la violencia del cine es como la violencia real; te acostumbras al grado de volverte insensible. Y a pesar de que hay más sub categorías del morbo sexual (Muchos habrán conocido las prácticas BDSM, no por experiencia, más sí por contacto mediático), hay más vaciado de violencia en el cine, lo que revierte en una cultura insensible a la violencia, que cada vez necesita más y más violencia. Y es por eso que antes teníamos The Lord of the Flies y ahora tenemos Saw XIV. Por supuesto, ésto es en Occidente, podemos ver Sanjuro, de Kurosawa, película japonesa llena de sangre en blanco y negro, hecha en 1961.
Hace poco, en un canal de televisión abierta pasaron una película "Hostel", escrita y dirigida por Eli Roth. Aunque es más conocido por su trabajo como actor, él tiene alguna trayectoria en las películas Gore/slasher, como es ésta. Empezó dirigiendo la película "Cabin Woods", que también es un Slasher, pero tiene una trama clásica. En cambio, Hostel tiene una trama innovadora. Una película violenta que critica la violencia exaltando la violencia.
Inter: La página no apoya o critica la violencia. Bueno, quizá sí la apoya en el cine. A pesar de criticar la violencia descriptiva y morbosa, todos disfrutamos películas violentas, y violentas en exceso. Hemos dicho ya que Tarantino, los hermanos Coen, Scorsese y otros, aunque no hemos mencionado a otros dignos como Brian De Palma o Francis Ford Coppola, son los que crean las películas más disfrutables.
La idea es muy original, y representa el deseo Junguiano de mostrar el lado animal y violento, tratando de descargar todo el deseo de violencia que jamás será satisfecho.
Por el lado del morbo sexual, tenemos que la insensibilización es un sable de dos filos. Por un lado, el tabú que se había formado alrededor del tema se ha roto, ha develado lo que tenía dentro, ha hecho a lo humano algo agradable, y no algo sucio. Por otro lado, la precocidad aumenta, así como las maneras de satisfacer o satisfacerse, siempre buscando más, como en todo. ¿De esto tiene la culpa el cine? Podríamos hacer mención especial a Lolita, de Kubrick, o Calígula, de Tinto Brass, más no creo que sea necesario.
Creo que la liberación del sexo es una historia que todos conocemos. Pero tiene su lado bueno. Alguna vez un director dijo: "A veces creo que Alva Edison creó la cámara para grabar la violencia...". Por el otro lado, somos animales, jamás podremos deshacernos de ese dejo bestial que tenemos. No hay necesidad de denigrar los deseos humanos convirtiéndolos en algo sucio y malsano. Esperemos que nunca exista una liberación de la violencia; o no habrá más cine que la pueda mostrar, o público que la vea.
martes, 25 de febrero de 2014
Humanidades y perros de Tindalos
Por DaCinemaCritic.
De las categorías en el cine, algunas son consideradas superiores a otras, sólo por la razón de pertenecer a la misma, como es el caso de las películas que hablan de las atrocidades del holocausto judío (esto a razón de que la industria cinematográfica está fundada en sudor hebreo), los dramas bélicos, o el llamado "cine de arte", el cual podría ser visto sólo como una excusa para plantear una opinión en una obra aburrida. No pretendo decir que todo el cine de arte sea aburrido, pero si eres una de esas personas que disfruta del ciclo de cine serbio hecho por directores estudiantes comunistas que fueron abusados por sus padres, entonces necesitas bajarle a la soberbia.
En lo personal, no soy muy exigente con el cine que veo, sólo busco ver una película entretenida y agradable, sin andarse yendo por una sola rama del cine, pero, como dice el dicho, hasta entre perros hay razas. Algunos géneros de películas son siempre mejores y más entretenidos, y hay géneros que siempre van a ser la ralea de las películas, que harían sentirse a Ed Wood - director de Plan 9 from Outer Space, considerada la peor película de todos los tiempos- orgulloso. De los mejores géneros hablaremos luego. Por ahora, y como es más divertido, hablaremos de lo peor de lo peor.
NUMERO 3: El tipo de películas que hacen llorar a los críticos.
Las películas de perros.
Uno no sabe por qué existen. Es decir ¿qué? Hay tres franquicias principales:
Air Bud (el perro ese que la arma en todos los deportes; esperen la nueva entrega de Buddy: Estrella del Jai-alai), que sencillamente, la estupidez de la trama de un perro con un pasado tortuoso salva a un niño del bullying siendo el jugador estrella de su equipo es ofensiva.
Beethoven: El perro desastroso. No veo lo gracioso de un perro que hace un desmadre. Es tan mala, que el escritor usa un sobrenombre para esconder su vergonzoso nombre de la humillación pública. ¿Cual es la trama? La resumiré en pocas palabras para que se guarden de la pena de verla. Es un perro desmadroso, que hace tanto desmadre, que obligan al dueño a matarlo, de otro modo, caerán cargos sobre él. Pero al último, es un plan malvado de un veterinario loco, al nivel del Ángel de la Muerte. Pero al final, los perros son más inteligentes que él, y casi lo matan. Lo peor del asunto es que tiene 6 secuelas...
Pestes varias, más no las conozco todas; Sé que hay una llamada "Breakfast with Einstein" que es como Beethoven, sólo que es un perro más pequeño. Está también una de unos sujetos que raptan a un perrillo, entre ellos el fracaso sin nombre que solía "actuar" como hermano menor de Raven en "That's so Raven". Y otras más. Hay una que se ve rescatable; más el hecho de que trate de un perro sólo le quita puntos. Se llama "Seven psychopaths"... pero lo único que convence es el reparto.
... Y todo empezó con Lassie y Rin tin tin.
NUMERO 2: El tipo de películas que hace llorar a los niños.
Las películas de niños que no pueden hablar que hablan con una voz telepática y mística.
¿A quién se le ocurrió la idea? Más importante, ¿a qué público va dirigido ese tipo de película? No recuerdo las pocas películas de esas producciones que he visto, por fortuna; pero aún puedo criticarlas. Decidme; ¿por qué un niño de .4 años sería capaz de vencer a un par de adultos? ¿Acaso están tan desnutridos que son estúpidos? Por que... ¡diablos! A veces me pregunto, ¿por qué no utilizan ese dinero en cosas más útiles y me lo dan a mi? Yo le daría un mejor uso que poner a un bebé estúpido a hacer caras estúpidas frente a una estúpida cámara profesional. Y si a alguien le gusta ese tipo de películas, es un imbécil o una mujer con necesidad de tener un niño. (Nota vagamente científica: A cierta edad, las mujeres sin hijos tienen una necesidad patológica de tener uno propio y siente afecto por todos los niños) Todo por culpa de "Look who's talking". Maldición!
NUMERO 1: Las películas que hacen llorar a todos; las peores de todas las películas. Cada vez que alguien le da el Visto Bueno a una de esas, el niño Dios llora.
Las películas de perros que hablan.
NOOOOOOOOOOOOO!!!!!!!!!!!!!!!!! Son horribles, por el amor del cine! Lo repetiré por siempre. Lo peor de lo peor.
Un chihuahua de Beverly Hills: Estúpida y racista
Underdog: Estúpida y ofensiva
Oh, señor, no puedo seguir!
Son demasiado malas. El recordarlas hace que me den nauseas.
Escalofrío. Y ahora, el espíritu de la Dama y el Vagabundo, de Marmaduke y otras bestias horrendas, que semejan a los perros de Tindalos, vendrán a buscarme, y a jalarme las patas! D:!
De las categorías en el cine, algunas son consideradas superiores a otras, sólo por la razón de pertenecer a la misma, como es el caso de las películas que hablan de las atrocidades del holocausto judío (esto a razón de que la industria cinematográfica está fundada en sudor hebreo), los dramas bélicos, o el llamado "cine de arte", el cual podría ser visto sólo como una excusa para plantear una opinión en una obra aburrida. No pretendo decir que todo el cine de arte sea aburrido, pero si eres una de esas personas que disfruta del ciclo de cine serbio hecho por directores estudiantes comunistas que fueron abusados por sus padres, entonces necesitas bajarle a la soberbia.
En lo personal, no soy muy exigente con el cine que veo, sólo busco ver una película entretenida y agradable, sin andarse yendo por una sola rama del cine, pero, como dice el dicho, hasta entre perros hay razas. Algunos géneros de películas son siempre mejores y más entretenidos, y hay géneros que siempre van a ser la ralea de las películas, que harían sentirse a Ed Wood - director de Plan 9 from Outer Space, considerada la peor película de todos los tiempos- orgulloso. De los mejores géneros hablaremos luego. Por ahora, y como es más divertido, hablaremos de lo peor de lo peor.
NUMERO 3: El tipo de películas que hacen llorar a los críticos.
Las películas de perros.
Uno no sabe por qué existen. Es decir ¿qué? Hay tres franquicias principales:
Air Bud (el perro ese que la arma en todos los deportes; esperen la nueva entrega de Buddy: Estrella del Jai-alai), que sencillamente, la estupidez de la trama de un perro con un pasado tortuoso salva a un niño del bullying siendo el jugador estrella de su equipo es ofensiva.
"Mirad! Es Chauncey, el niño idiota del pueblo! Por qué no vamos a demostrarle lo machos que somos golpeando su entrepie -- ese perro está jugando hockey!? Oh, diablos -- Ah! Nos has fallado como macho alfa! Vamos todos con Chauncey y seamos sus amigos mientras este estúpido se pudre en su soledad!Es que... ¡Sencillamente es estúpido! No alcanzo a comprender como le sacaron secuela... y secuela... y secuela... y secuela para sus hijos.
Beethoven: El perro desastroso. No veo lo gracioso de un perro que hace un desmadre. Es tan mala, que el escritor usa un sobrenombre para esconder su vergonzoso nombre de la humillación pública. ¿Cual es la trama? La resumiré en pocas palabras para que se guarden de la pena de verla. Es un perro desmadroso, que hace tanto desmadre, que obligan al dueño a matarlo, de otro modo, caerán cargos sobre él. Pero al último, es un plan malvado de un veterinario loco, al nivel del Ángel de la Muerte. Pero al final, los perros son más inteligentes que él, y casi lo matan. Lo peor del asunto es que tiene 6 secuelas...
Pestes varias, más no las conozco todas; Sé que hay una llamada "Breakfast with Einstein" que es como Beethoven, sólo que es un perro más pequeño. Está también una de unos sujetos que raptan a un perrillo, entre ellos el fracaso sin nombre que solía "actuar" como hermano menor de Raven en "That's so Raven". Y otras más. Hay una que se ve rescatable; más el hecho de que trate de un perro sólo le quita puntos. Se llama "Seven psychopaths"... pero lo único que convence es el reparto.
... Y todo empezó con Lassie y Rin tin tin.
NUMERO 2: El tipo de películas que hace llorar a los niños.
Las películas de niños que no pueden hablar que hablan con una voz telepática y mística.
¿A quién se le ocurrió la idea? Más importante, ¿a qué público va dirigido ese tipo de película? No recuerdo las pocas películas de esas producciones que he visto, por fortuna; pero aún puedo criticarlas. Decidme; ¿por qué un niño de .4 años sería capaz de vencer a un par de adultos? ¿Acaso están tan desnutridos que son estúpidos? Por que... ¡diablos! A veces me pregunto, ¿por qué no utilizan ese dinero en cosas más útiles y me lo dan a mi? Yo le daría un mejor uso que poner a un bebé estúpido a hacer caras estúpidas frente a una estúpida cámara profesional. Y si a alguien le gusta ese tipo de películas, es un imbécil o una mujer con necesidad de tener un niño. (Nota vagamente científica: A cierta edad, las mujeres sin hijos tienen una necesidad patológica de tener uno propio y siente afecto por todos los niños) Todo por culpa de "Look who's talking". Maldición!
NUMERO 1: Las películas que hacen llorar a todos; las peores de todas las películas. Cada vez que alguien le da el Visto Bueno a una de esas, el niño Dios llora.
Las películas de perros que hablan.
NOOOOOOOOOOOOO!!!!!!!!!!!!!!!!! Son horribles, por el amor del cine! Lo repetiré por siempre. Lo peor de lo peor.
Un chihuahua de Beverly Hills: Estúpida y racista
Underdog: Estúpida y ofensiva
Oh, señor, no puedo seguir!
Son demasiado malas. El recordarlas hace que me den nauseas.
Escalofrío. Y ahora, el espíritu de la Dama y el Vagabundo, de Marmaduke y otras bestias horrendas, que semejan a los perros de Tindalos, vendrán a buscarme, y a jalarme las patas! D:!
martes, 18 de febrero de 2014
Humanidades y el mejor de los mejores.
Citizen Kane es considerada por muchos críticos la mejor película de todos los tiempos, y fue la primera incursión del genial Orson Welles - conocido por muchos como el mayor bromista de todos los tiempos- en el mundo de la cinematografía. Ésta película le valió un Oscar a mejor guión original y otras ocho nominaciones a premios varios. Al principio, la película no fue tan bien recibida por el público, y no fue hasta el descubrimiento por la crítica extranjera (impulsada también por el reestreno en los 50's tardíos) que fue alabada como la obra maestra del cine.
¿Qué podemos decir del reparto? La mayoría de los actores eran trabajadores del teatro, y, al igual que Welles, no habían trabajado jamás en películas. Tanto así, que al final de la película, se muestra la leyenda "Most of the principal actors are new to motion pictures. The Mercury Theatre is proud to introduce them." Ninguno de los actores de la película había actuado antes en una película, más eran actores de teatro. Incluso así, eso no significa que sean buenos. Tal es el caso del sonado Tommy Wiseau, actor y productor de teatro, que como actor en The Room es terrible y como director es peor. The Room es considerada la peor película moderna jamás hecha, y Wiseau dice que Citizen Kane es su principal influencia.
La dirección, que a ojos modernos se ve como algo común, en esa entonces era un estilo novel, por conjuntar características del cine americano y el cine frances, y el haber generado técnicas de sonido y de continuidad de escenas con las influencias de Welles cuando trabajaba en la radio.
Pros:
Trama: Envolvente e interesante, la anacrónica historia de un hombre de carácter fuerte y los altibajos del poder que ostenta se nos muestra con una semi-narrativa al estilo periodístico. No hay manera de perder el hilo, siendo una trama tan genial, sólo basta ubicarse en el tiempo y recordar unos cuantos sucesos importantes.
Atractivos visuales: OH SEÑOR JESÚS. Dos palabras pueden describir la estética de toda la película, y son Dorothy Comingore, en el papel de la mimada pero infeliz segunda esposa de Kane, Susan Alexander Kane. Pues... Ruth Warrick no está mal, pero... no se compara.
Dirección: A la época, fue revolucionaria y única. No generó gran cosa, su fuerte fue conjuntar las mejores técnicas que tenían la dirección europea (principalmente la de Francia) y la americana. Así mismo, los planos que se utilizaron, que posteriormente serían utilizados por el cine neo-noir, como los juegos de luces e incluso el utilizar un personaje moralmente ambiguo como protagónico.
Música: Aún cuando recuerda a las bandas sonoras utilizadas en Merry Melodies, la música contribuye al aire de misterio alrededor de la muerte de Charlie Kane, y es clave en escenas de thriller a lo largo de toda la película, esto gracias al trabajo de Welles en la radio.
Contras:
Actuación: Orson Welles fue nominado a mejor actor para los Oscar de ese año. Sin embargo, el trabajo somero de la mayoría de los actores, y mucho más el de Dorothy Comingore, que fue pésimo, es uno de los pocos contras de la película.
Calificación:
Llamarla "la mejor película del mundo" es una exageración. 9.1/10. Cerca de ser la mejor película del mundo, 9.7/10.
Review: Spoilers Ahead.
Rosebud. ¿Qué significa Rosebud? Rosebud entraña el misterio que fue el gran Charles Foster Kane, el famoso periodista y multimillonario magnate de la comunicación impresa. Las últimas palabras que pronuncia antes de morir. El hombre murió. Sí, sí, todos lo saben, es la muerte más importante en años. Pero qué hay atrás? Qué es Rosebud? Es una dama? Es algo que el Sr. Kane ha perdido, o algo que no perdió? Qué es? Jerry Thompson se da a la tarea de investigar, entrevistando a todo conocido vivo del Ciudadano Kane, atravesando por su infancia, sus amores, el gran escándalo que le impidió llegar a la gubernatura y el odio que le tenía al hombre que lo crió, todo nos remite a lo que ha perdido o ganado.
Toda su vida es el reflejo de una falta de amor, de la necesidad de ser amado por todos, como una sustitución del amor que vendió su madre por una pensión por haber hallado la tercera mina de oro más grande del mundo. Un trineo, representando la inocencia infantil, es abandonado en la nieve, y se intenta reflejar la nueva vida del niño Charlie Kane con el obsequio de uno nuevo y el desprecio a éste también explica el desprecio al señor Thatcher, su padre postizo, y todo lo que éste representa, en la escena de la carta, donde el joven Kane, ahora de veintitantos años, rechaza todo el imperio económico que se le ofrece a excepción del periódico The Inquirer, el cual es usado para difamar las empresas que le fueron ofrecidas y para el periodismo amarillista. Bajo la premisa de mostrar la verdad sin guiños y defender los derechos del ciudadano, Kane gira el tinte del periódico, giro que que le cuesta un millón el primer año, con el disgusto de Thatcher.
Vamos, el Inquirer estaba a punto de quebrar pero, tener un techo de tela?
Su poder crece tanto con ese periódico que, cuando se casa con la sobrina del presidente, el le dice a ella cuando le dice "The people will think-". en una serie de tomas que reflejan la gradual falta de interés de Kane para ella, "what I tell them to think".
Se postula para gobernador, a palabras de Jed Leland, para demostrar que es amado por todos. Se ve envuelto en un escándalo y pierde por casi un millón de votos. Charles Kane derrotado: ¡Fraude en las elecciones! es el titular del la edición al día siguiente del resultado. Pronto pierde el poder mediático que tenía, y con él, la posibilidad de encontrar el amor que buscaba.
El escándalo era un romance con una "cantante", a quien conoció cuando iba a ver todas las pertenencias de la difunta señora Kane, su madre. Se casa con la "cantante" y Kane le construye una casa de Ópera; y es mal recibida, afín con su mal desempeño.
Como explica Jed, dado que el mundo no lo aceptó, entonces Kane, por despecho se construye su propia monarquía absoluta, un gran palacio llamado Xanadu, donde intenta llevar todo aquello que le pertenece.
Leland, quien había peleádose con Kane, y llevaban un tiempo sin hablarse, a pesar de que éste lo sigue llamando su amigo, escribe una reseña negativa acerca de la cantante, Susan Alexander, más no la termina, y Charles la continúa con el mismo tinte, y despide a Leland por sus problemas con el alcohol.
Susan, sin poder contenerse, se queja con Kane por la mala reseña y por el buen trato que le da a Leland, y luego de varias representaciones con el mismo resultado, intenta suicidarse. Susan se va, y Kane destruye su habitación (escena que podemos volver a ver en The Room), y desde ahí, todo va en picada para el gran Charlie Kane.
Pero aún así nadie sabe lo que la palabra "Rosebud" significa. Id a la casa del Señor. La masiva colección de Kane, estatuas, su afición, es mostrada ante los reporteros. Pero lo único que el mayordomo puede decirles es la primera vez que el magnate dijo Rosebud.
Quizás, después de todo, Rosebud no es más que una pieza del rompecabezas que Charles Foster Cane representaba. Quizá no habría evidencia del porqué lo perdió todo. Quizá no habría relación de porqué su manera de hacer periódico, y de porqué manipulaba las noticias a su antojo, a pesar de su declaración de principios. Quizá Rosebud no explicaba su falta de amor. Quizá Rosebud no era más que una roldana en la gran metrópoli que era el ciudadano Kane.
Los reporteros se van. Todo lo que no tiene valor es incinerado en Xanadu. El pequeño trineo, es lanzado a la hoguera... el trineo que representa la inocencia muerta de Kane... el trineo que tiene escrita una sola palabra. Rosebud.
Por DaCinemaCritic
¿Qué podemos decir del reparto? La mayoría de los actores eran trabajadores del teatro, y, al igual que Welles, no habían trabajado jamás en películas. Tanto así, que al final de la película, se muestra la leyenda "Most of the principal actors are new to motion pictures. The Mercury Theatre is proud to introduce them." Ninguno de los actores de la película había actuado antes en una película, más eran actores de teatro. Incluso así, eso no significa que sean buenos. Tal es el caso del sonado Tommy Wiseau, actor y productor de teatro, que como actor en The Room es terrible y como director es peor. The Room es considerada la peor película moderna jamás hecha, y Wiseau dice que Citizen Kane es su principal influencia.
La dirección, que a ojos modernos se ve como algo común, en esa entonces era un estilo novel, por conjuntar características del cine americano y el cine frances, y el haber generado técnicas de sonido y de continuidad de escenas con las influencias de Welles cuando trabajaba en la radio.
Pros:
Trama: Envolvente e interesante, la anacrónica historia de un hombre de carácter fuerte y los altibajos del poder que ostenta se nos muestra con una semi-narrativa al estilo periodístico. No hay manera de perder el hilo, siendo una trama tan genial, sólo basta ubicarse en el tiempo y recordar unos cuantos sucesos importantes.
Atractivos visuales: OH SEÑOR JESÚS. Dos palabras pueden describir la estética de toda la película, y son Dorothy Comingore, en el papel de la mimada pero infeliz segunda esposa de Kane, Susan Alexander Kane. Pues... Ruth Warrick no está mal, pero... no se compara.
Dirección: A la época, fue revolucionaria y única. No generó gran cosa, su fuerte fue conjuntar las mejores técnicas que tenían la dirección europea (principalmente la de Francia) y la americana. Así mismo, los planos que se utilizaron, que posteriormente serían utilizados por el cine neo-noir, como los juegos de luces e incluso el utilizar un personaje moralmente ambiguo como protagónico.
Música: Aún cuando recuerda a las bandas sonoras utilizadas en Merry Melodies, la música contribuye al aire de misterio alrededor de la muerte de Charlie Kane, y es clave en escenas de thriller a lo largo de toda la película, esto gracias al trabajo de Welles en la radio.
Contras:
Actuación: Orson Welles fue nominado a mejor actor para los Oscar de ese año. Sin embargo, el trabajo somero de la mayoría de los actores, y mucho más el de Dorothy Comingore, que fue pésimo, es uno de los pocos contras de la película.
Calificación:
Llamarla "la mejor película del mundo" es una exageración. 9.1/10. Cerca de ser la mejor película del mundo, 9.7/10.
Review: Spoilers Ahead.
Rosebud. ¿Qué significa Rosebud? Rosebud entraña el misterio que fue el gran Charles Foster Kane, el famoso periodista y multimillonario magnate de la comunicación impresa. Las últimas palabras que pronuncia antes de morir. El hombre murió. Sí, sí, todos lo saben, es la muerte más importante en años. Pero qué hay atrás? Qué es Rosebud? Es una dama? Es algo que el Sr. Kane ha perdido, o algo que no perdió? Qué es? Jerry Thompson se da a la tarea de investigar, entrevistando a todo conocido vivo del Ciudadano Kane, atravesando por su infancia, sus amores, el gran escándalo que le impidió llegar a la gubernatura y el odio que le tenía al hombre que lo crió, todo nos remite a lo que ha perdido o ganado.
Toda su vida es el reflejo de una falta de amor, de la necesidad de ser amado por todos, como una sustitución del amor que vendió su madre por una pensión por haber hallado la tercera mina de oro más grande del mundo. Un trineo, representando la inocencia infantil, es abandonado en la nieve, y se intenta reflejar la nueva vida del niño Charlie Kane con el obsequio de uno nuevo y el desprecio a éste también explica el desprecio al señor Thatcher, su padre postizo, y todo lo que éste representa, en la escena de la carta, donde el joven Kane, ahora de veintitantos años, rechaza todo el imperio económico que se le ofrece a excepción del periódico The Inquirer, el cual es usado para difamar las empresas que le fueron ofrecidas y para el periodismo amarillista. Bajo la premisa de mostrar la verdad sin guiños y defender los derechos del ciudadano, Kane gira el tinte del periódico, giro que que le cuesta un millón el primer año, con el disgusto de Thatcher.
Vamos, el Inquirer estaba a punto de quebrar pero, tener un techo de tela?
Su poder crece tanto con ese periódico que, cuando se casa con la sobrina del presidente, el le dice a ella cuando le dice "The people will think-". en una serie de tomas que reflejan la gradual falta de interés de Kane para ella, "what I tell them to think".
Se postula para gobernador, a palabras de Jed Leland, para demostrar que es amado por todos. Se ve envuelto en un escándalo y pierde por casi un millón de votos. Charles Kane derrotado: ¡Fraude en las elecciones! es el titular del la edición al día siguiente del resultado. Pronto pierde el poder mediático que tenía, y con él, la posibilidad de encontrar el amor que buscaba.
El escándalo era un romance con una "cantante", a quien conoció cuando iba a ver todas las pertenencias de la difunta señora Kane, su madre. Se casa con la "cantante" y Kane le construye una casa de Ópera; y es mal recibida, afín con su mal desempeño.
Como explica Jed, dado que el mundo no lo aceptó, entonces Kane, por despecho se construye su propia monarquía absoluta, un gran palacio llamado Xanadu, donde intenta llevar todo aquello que le pertenece.
Leland, quien había peleádose con Kane, y llevaban un tiempo sin hablarse, a pesar de que éste lo sigue llamando su amigo, escribe una reseña negativa acerca de la cantante, Susan Alexander, más no la termina, y Charles la continúa con el mismo tinte, y despide a Leland por sus problemas con el alcohol.
Susan, sin poder contenerse, se queja con Kane por la mala reseña y por el buen trato que le da a Leland, y luego de varias representaciones con el mismo resultado, intenta suicidarse. Susan se va, y Kane destruye su habitación (escena que podemos volver a ver en The Room), y desde ahí, todo va en picada para el gran Charlie Kane.
Pero aún así nadie sabe lo que la palabra "Rosebud" significa. Id a la casa del Señor. La masiva colección de Kane, estatuas, su afición, es mostrada ante los reporteros. Pero lo único que el mayordomo puede decirles es la primera vez que el magnate dijo Rosebud.
Quizás, después de todo, Rosebud no es más que una pieza del rompecabezas que Charles Foster Cane representaba. Quizá no habría evidencia del porqué lo perdió todo. Quizá no habría relación de porqué su manera de hacer periódico, y de porqué manipulaba las noticias a su antojo, a pesar de su declaración de principios. Quizá Rosebud no explicaba su falta de amor. Quizá Rosebud no era más que una roldana en la gran metrópoli que era el ciudadano Kane.
Los reporteros se van. Todo lo que no tiene valor es incinerado en Xanadu. El pequeño trineo, es lanzado a la hoguera... el trineo que representa la inocencia muerta de Kane... el trineo que tiene escrita una sola palabra. Rosebud.
Por DaCinemaCritic
Humanidades y caidos del cielo
O "De por qué James Bond es mejor que Kevin McCallister"
Nuestra historia inicia no en 2012 como uno podría llegar a pensar.
Remontémonos más allá en el tiempo, al año 2006 con el inicio de Daniel Craig como el sucesor de Pierce Brosnan en el papel de James Bond en la película "Casino Royale".
Ciertamente no era la elección lógica, su aspecto y porte no son los correspondientes a los de un actor para el papel de Bond tradicional... lo cual solo tiene lógica cuando la película inicia y la historia se desarrolla. Se ve a Bond en medio de una apretada sesión de póker y llega el descanso, se acerca a la barra y pide su bebida:
Bartender.- Shaken or stirred... ?
Bond.- Do I look like I give a damn?
Vemos a un Bond capturado, golpeado y, en un gran cambio, enamorado y con la posibilidad de salir de una vida al servicio de su majestad. Así inicia la desmitificación del héroe para su nueva construcción, siguiéndose tales pasos en la, no muy bien recibida por la crítica, "Quantum of Solace" con su establecimiento polvoriento, lleno de intrigas sin resolver y de cerveza Heineken.
Con tales precedentes llegó a nuestras salas comerciales "Skyfall", y con toda la deconstrucción del personaje, para su nuevo establecimiento, llega la reinvención de su entorno. Ahora, personajes de toda la vida, hacen su aparición nuevamente con nuevas identidades y trasfondos creíbles dentro del mundo del espía más famoso del mundo, todos para encarar un nuevo villano único, como lo requiere la fórmula, pero esta vez uno correspondiente y fiel a los tiempos modernos en cuanto a sus motivaciones y su forma de poner en jaque al MI6 y sus agentes.
La premisa es la siguiente:
Durante una persecución para el recuperamiento de una computadora que contenía los datos de personal interno del MI6, 007 recibe un disparo y es considerado muerto por la agencia. Con la información perdida, la presión recae sobre M debido al contenido de la información perdida y la identidad del responsable de su obtención.
Trama y guión:
Un gran instrumento y excusa para el "reboot" dado a las series. Con ello se logra refrescar los aires de la franquicia James Bond y la reinvención dentro del mundo real de ciertos personajes, incluido el mismo Bond, en lo que es en mi opinión la segunda mejor película de 007, siendo la primera "Casino Royale".
El guión también da como frutos dos grandes secuencias:
El discurso dado por Judi Dench sobre la idea en general de los servicios de inteligencia y su posición en la era digital y la pelea final entre el villano, interpretado por Javier Bardem, y el equipo Bond.
Sin hacer menos las siempre bien elaboradas secuencias de persecución, los acertados guiños dentro de la película, pequeñas cartas de amor a la franquicia y la secuencia de inicio con el tema interpretado por Adele que...
Música:
Buen montaje de inicio. Desde la llegada de Brosnan a las series las secuencias solo se han vuelto mejor y mejor, y con ello también la música (quizás exceptuando "Another way to die"). Y entre los guiños a los seguidores se encuentra uno de los mejores usos para el tema original de 007 jamás dados.
Una sorpresa en el tema "Boom Boom" de "The Animals", que solo hace quedar mejor al villano y en general, gran musicalización de la película respectivo a cada escena de acción, drama y de Bond... ness.
Actuaciones:
Daniel Craig hace lo que ha estado haciendo desde el inicio, Judi Dench lo único que necesitaba era un buen guión y dirección.
Javier Bardem como el villano le da credibilidad, crudeza y sensación de poder al personaje. Sabes que el está al altura de todo el MI6 cuando lo escuchas decir líneas como "Pum, echo..."
Las chica Bond (¿o chicas?) no las vemos mucho... pero hacen bien su trabajo.
¿A quién es dirigida la película?
Es una película de acción, con toques de aventura, con todo el toque de las series y homenajes a esta misma, pero con un nuevo giro basado en personaje y no en historia. Si eres fan, mírala y si no eres fan... mírala también.
Película de acción inteligente como las hay pocas últimamente y como pocas dentro de la franquicia misma.
P.D.
Es mejor que Home Alone porque explosiones.
Por MJK
jueves, 13 de febrero de 2014
Humanidades desencadenadas
Es la película que más he esperado desde siempre. Mi afición al cine es relativamente reciente y empezó con una racha de películas de Kubrick, Tarantino y Leone en televisión. Desde entonces, me he vuelto un aficionado de cualquier película de estos directores. Pero en vista de que ni Leone ni Kubrick siguen dirigiendo películas, la única producción que esperaba era Django Unchained. Incluso me emocionaba con los fake trailers y contenido hecho por fans. Cuando fue lanzado el trailer oficial, no podía evitar la infinita emoción al verlo y al escuchar el remix de The Payback. Tanto así, que me molesté y como huelga, no vi Savages, de Oliver Stone, por utilizar la misma canción en el trailer, como no vi ni veré The Hobbit por haber cancelado a Del Toro. Las películas de Tarantino son en particular notables por la fuerza de sus diálogos, estilización de la violencia y por sus referencias a películas wuxia, grindhouse y spaghetti westerns. Además, su influencia de la cultura negra, que si bien no es particular de él, le ha creado cierta fama, sobre todo mala fama, entre directores negros como Spike Lee, en especial por el uso de la la palabra "nigger", que entre negros se considera normal, pero el resto de las razas no pueden decirla, es racista.
Es por eso que en cuanto supe que haría un Western (O Southern, por que está localizada en el sur de los Estados Unidos), que trataba de la esclavitud en tiempos de antes de la guerra de Secesión, no podía esperar. Cada traíler, cada avance, cada noticia, cada actor revelado, me hacían emocionarme más.
Así pues, también, el género Western, en especial el Spaghetti Western es mi favorito, sólo exceptuando las películas de John Ford y Jonah Hex. Y miren que eso es dificilísimo, incluso me gustan las películas de los Hermanos Almada, por puro morbo. En fin.
Django Unchained toma su título de Django, la película del '66 de Sergio Corbucci, interpretando en el papel de Django, un pistolero que viaja por la frontera cargando con un ataúd, Franco Nero, quien hace una aparición en este nuevo Django; y de Hercules Unchained, eh... otra película que no he visto. Ahora, no es raro que haya una película donde se utilice el nombre de Django como protagonista, ya que en el transcurso de la era del Spaghetti Western hubo más de 40 películas que utilizaban éste personaje (mas no el actor) como protagonista. La curiosidad del nuevo Django, es que es un esclavo negro, comprado por un caza recompenzas quien lo usa en el negocio de matar blancos y que le paguen por ello. La película se desarrolla en el núcleo del racismo y la xenofobia de los Estados Unidos, Louisiana, Mississippi y Texas, do también florecía el comercio de esclavos. Y así comienza la historia de Django, que no sólo es un gran western, sino la mejor historia de romance jamás contada. Ahora, yo soy más una persona que conoce de los clásicos, así que no puedo dar muchas de mis impresiones en el aspecto histórico de la película, pero estoy seguro que resurgirá el género pronto. Incluso ya fue liberado el traíler de They Die By Dawn, un western que trata de cuatro forajidos que tienen un cuádruple duelo, y el que sobreviva se queda con el dinero. Lo curioso es que todos son negros. ¿Necesita esa historia ser de negros? NO. Es sólo para reparar el orgullo de Idris Elba, quien actúa en esta película, y fue considerado para el papel de Django.
Ninguna película había satisfecho mi alma. De hecho, sólo esperaba una que otra película por la emoción del momento, como The Raven, o Abraham Lincoln: Vampire Hunter. Pero dentro de l'alma mía sabía que Django Unchained era lo único que podría llenar mi ser.
Y hace poco, por fin pude verla.
Pros.
Trama.
Señor Jesús, la trama... es y no es original. Cómo decirlo, es un clásico; un pistolero que busca venganza, una historia de amor conocida, basada en una leyenda alemana, y la historia de la esclavitud, pero un poco más cruda y cruel, aún cuando el mismo Tarantino dice que no es ni una pequeña parte de lo que en realidad pasó. No lo dudo.
Actuación.
Qué reparto. Christoph Waltz deleitándonos otra vez con una actuación magistral, y Leonardo DiCaprio haciendo el papel de villano, bastante original, debo admitir. Jamie Foxx no destaca, pero definitivamente sabe entrar en el papel de pistolero, de ser Clint Eastwood, aunque esta actuación se nota más en la segunda mitad de la película. Así mismo el papel de Samuel L. Jackson, un papel nunca visto, ya que el tema que se trata en esta película nunca es tratado tan crudamente, es meramente genial. Incluso Franco Nero, cuya participación no pasa de los tres minutos, sabe derrochar un poco de genialidad maestra cuando aparece.
Cinematografía.
Otra vez, Robert Richardson, a quien ya habíamos visto en Inglourious Basterds, hace de las suyas ese pillín. Gran camarografía, que nunca (y no creo que nadie lo haga) superará Kill Bill, sigue superando de todos modos otros trabajos que tuvo, considerando que es un western y no se da tanta cabida en paisajes y tomas panorámicas, mucho menos efectos visuales. Eso sí, la edición de Sally Menke (QEPD) se nota, y, aún cuando se ve el esfuerzo de Fred Raskin, le faltará algo de práctica para igualar el nivel de Menke, quien fue nominada dos veces al Oscar.
Secuencias.
Incluso cuando antes de ver la película me había convencido de que las mejores escenas se habían utilizado en el tráiler, no podía creer lo que mis ojos veían. Tantas secuencias buenas y geniales; incluso no hay tantas referencias, pero las que hay son bastante impactantes en lo visual.
Dirección.
Quentin Tarantino. Qué más puedo decir. El sujeto me impresiona siempre, pero como una amiga dijo una vez, "Si no amas a Tarantino, entonces lo odias", así que estoy seguro que no muchos compartirán la opinión de que Tarantino es el mejor director de la era. Más es inevitable pensar que él es el auteur definitivo, el director que sabe de mejor manera cómo plasmar su punto de vista en sus películas. A esto ayuda que él mismo escriba los libretos y el screenplay, claro, pero estamos de acuerdo que incluso en Jackie Brown, que no escribió, se observa la calidad y el estilo de Tarantino.
Música:
Diantres. Como también es común, Tarantino utiliza sus habilidades de DJ para hacer uso del soundtrack. Por si fuera poco, hay canciones originales que se llevan las palmas. Ancora Qui, con la participación de Ennio Morricone, quien siempre ha estado presente en sus películas, por fin una canción original del prolífico autor. 100 Black Coffins, de Rick Ross, y producida por Jamie Foxx, que habla del personaje de Django, un caza recompensas negro con heridas en su espalda que ha visto los horrores de la esclavitud y busca a su mujer. Y por último, Unchained. Aún cuando es un remix de Untouchable de 2pac, y The Payback de James Brown, el tema del trailer y probablemente el de la mejor escena de la película, incluso la mejor escena de las películas producidas el 2012. O de la década. Vaya riff de trompeta, y la guitarra, del más puro estilo Western, las frases al azar de Django. 'Spect me nigga, as you 'spect Jesus to come back.
Diálogos.
Es una película de Tarantino. ¿Hay que agregar algo, acaso? Los diálogos tienen la fuerza y sostienen toda la trama a lo largo de la película.
Contras.
La temática.
Era necesaria, y nadie se atrevía a tocarla. Por qué? Porque sólo los directores negros creen tener el derecho de hacer películas sobre esclavitud. No obstante no las hacen, pero si quieren que el resto del mundo comprenda que la esclavitud fue un holocausto. Si los judíos hacen ver los horrores de la segunda guerra mundial es por que cada año hay una superproducción de ello. No obstante, eso no ha detenido a directores negros de criticar la película, diciendo que era una burla a la masacre que representó la esclavitud, más sólo es por que él se atrevió a exponerla. (Y por que ningún director negro ha sido capaz de exponerla de manera tan magistral.)
Atractivos visuales.
El atractivo visual para hombres es Kerry Washington en el papel de Broomhilda VonShaft. Pues... eh... está bien, supongo. Y por supuesto, no hay nada más sexy que ver a una mujer siendo latigueada... (O_o)
Review. Spoilers Ahead.
DJANGO! Y con compases de Luis Bacalov, comienza el Western definitivo de los últimos tiempos. Y es que sólo Sergio Leone puede superar con sus revolucionarias películas y tremendos juegos de cámaras esta película.
Al ritmo de las cadenas que suenan en el tema caminan, vejados pero fuertes, los esclavos negros comprados por los hermanos Speck. En el manto de la noche, y en una sangrienta transacción, el Dr. King Schultz compra a Django, quien lo puede ayudar a identificar a tres forajidos conocidos como los hermanos Brittle. Siendo Schultz alemán, no compartía la idea de la esclavitud, y promete que liberará a Django después de matar a los hermanos Brittle, y le dará unos dólares y un caballo. Así pues, se dirigen a una plantación, donde un hombre, en lugar de ser su principal comercio el algodón, comercia con mujeres negras. Pero el plan no es comprar una mujer, sino acabar con los hermanos Brittle. Django, al verlos, recuerda como los torturaron a él y a su mujer, y es cegado por la ira. Así, mata con rencor a dos de los hermanos, con una de las escenas más inspiradoras de todas, donde mata, frente a los esclavos de la plantación, a Roger Brittle a balazos, luego de torturarlo con un látigo. Con los hermanos Brittle muertos, Django y Schultz parten de la plantación, con los de la plantación tras de ellos, con plan de matarlos. Una de las mejores escenas cómicas, seguida por la persecución a la solitaria carreta del dentista, que termina en una gran explosión, y el descubrimiento del talento nato de Django para manejar la pistola. Una vez que Django es libre, se propone buscar a Broomhilda. Pero Schultz, sintiéndose responsable por él, le ofrece un negocio para el que está hecho. Terminando el negocio, lo acompaña en la búsqueda de Hildi y se dirigen a Mississippi, para descubrir a dónde la vendieron. Así, viajan en búsqueda de Calvin Candie, el presunto dueño de la esposa de Django, un aficionado a las luchas de Mandingos. Entonces empieza la verdadera genialidad. Diálogos poderosos y fuertes, la aparición de Stephen, el mayordomo de Candie, un esclavo que considera que el lugar de los negros es a los pies de los blancos..., pensando eso por que ha visto miles de negros arrodillados.
Entonces el plan de Schultz y Django comienza a urdirse. Pero es descubierto por Stephen, obligando a Schultz, con lujo de violencia, a pagar doce mil dólares a cambio de Broomhilda, la negra correcta. Pero el Dr. King no puede soportar el racismo de Candie y lo mata. Estando guardado, su destino no es otro que ser destrozado por una escopeta. Django se aterra ante la escena y comienza a disparar en el mejor tiroteo de todos los tiempos. Pero esto no es Die Hard o Terminator, no señor. Django tiene gran puntería, pero falla y si no muere es por los cadáveres con los que se cubre. Oh sí, y de fondo, la canción Untouchable. Pero Django no es invencible. Y es por su Brunilda por quien cae, y entrega su vida por la de ella. Lo amenazan con la tortura.
Si aún no han visto la película, y están viendo esto de todos modos, les recomiendo que la vean en este punto. Es aquí donde se presenta LA MEJOR MUERTE DE TODOS LOS TIEMPOS.
Aquí un inter. En todas sus películas, Tarantino hace un cameo, y sólo en Pulp Fiction, Jackie Brown y Grindhouse sobrevive. En las demás, muere. He aquí un pequeño listado.
Reservoir Dogs: Con un tiro en la cabeza.
Kill Bill: Asesinado en la Casa de Hojas Azules
Inglourious Basterds: Soldado nazi asesinado por los Bastardos.
From Dusk Till Dawn: Vampiros.
Desperado: Tiro en la cabeza
Little Nicky (!): Muere en llamas.
En esta ocasión, además de ser el cameo más intrusivo que tiene, tiene la muerte más genial y envolvente de la historia del cine. Pensarán que la muerte de Darth Sidious, o la de Rorschach son más geniales, pero si comprenden que el espíritu que contiene esta muerte, sabrán que es la más genial del universo.
Luego, oh sí que sí. La venganza definitiva. Luego de matar a todos los blancos, mata a Stephen, por todo lo que hizo. O más bien, por lo que no hizo, de manera excepcional. Como crítico que soy, no pude evitar buscar la película en los internets, pero, luego de ver el final, decidí que lo veré varias veces en el cine.
No puedo esperar.
Escrito el 11 de enero del 2013.
Por DaCinemaCritic
Es por eso que en cuanto supe que haría un Western (O Southern, por que está localizada en el sur de los Estados Unidos), que trataba de la esclavitud en tiempos de antes de la guerra de Secesión, no podía esperar. Cada traíler, cada avance, cada noticia, cada actor revelado, me hacían emocionarme más.
Así pues, también, el género Western, en especial el Spaghetti Western es mi favorito, sólo exceptuando las películas de John Ford y Jonah Hex. Y miren que eso es dificilísimo, incluso me gustan las películas de los Hermanos Almada, por puro morbo. En fin.
Django Unchained toma su título de Django, la película del '66 de Sergio Corbucci, interpretando en el papel de Django, un pistolero que viaja por la frontera cargando con un ataúd, Franco Nero, quien hace una aparición en este nuevo Django; y de Hercules Unchained, eh... otra película que no he visto. Ahora, no es raro que haya una película donde se utilice el nombre de Django como protagonista, ya que en el transcurso de la era del Spaghetti Western hubo más de 40 películas que utilizaban éste personaje (mas no el actor) como protagonista. La curiosidad del nuevo Django, es que es un esclavo negro, comprado por un caza recompenzas quien lo usa en el negocio de matar blancos y que le paguen por ello. La película se desarrolla en el núcleo del racismo y la xenofobia de los Estados Unidos, Louisiana, Mississippi y Texas, do también florecía el comercio de esclavos. Y así comienza la historia de Django, que no sólo es un gran western, sino la mejor historia de romance jamás contada. Ahora, yo soy más una persona que conoce de los clásicos, así que no puedo dar muchas de mis impresiones en el aspecto histórico de la película, pero estoy seguro que resurgirá el género pronto. Incluso ya fue liberado el traíler de They Die By Dawn, un western que trata de cuatro forajidos que tienen un cuádruple duelo, y el que sobreviva se queda con el dinero. Lo curioso es que todos son negros. ¿Necesita esa historia ser de negros? NO. Es sólo para reparar el orgullo de Idris Elba, quien actúa en esta película, y fue considerado para el papel de Django.
Ninguna película había satisfecho mi alma. De hecho, sólo esperaba una que otra película por la emoción del momento, como The Raven, o Abraham Lincoln: Vampire Hunter. Pero dentro de l'alma mía sabía que Django Unchained era lo único que podría llenar mi ser.
Y hace poco, por fin pude verla.
Pros.
Trama.
Señor Jesús, la trama... es y no es original. Cómo decirlo, es un clásico; un pistolero que busca venganza, una historia de amor conocida, basada en una leyenda alemana, y la historia de la esclavitud, pero un poco más cruda y cruel, aún cuando el mismo Tarantino dice que no es ni una pequeña parte de lo que en realidad pasó. No lo dudo.
Actuación.
Qué reparto. Christoph Waltz deleitándonos otra vez con una actuación magistral, y Leonardo DiCaprio haciendo el papel de villano, bastante original, debo admitir. Jamie Foxx no destaca, pero definitivamente sabe entrar en el papel de pistolero, de ser Clint Eastwood, aunque esta actuación se nota más en la segunda mitad de la película. Así mismo el papel de Samuel L. Jackson, un papel nunca visto, ya que el tema que se trata en esta película nunca es tratado tan crudamente, es meramente genial. Incluso Franco Nero, cuya participación no pasa de los tres minutos, sabe derrochar un poco de genialidad maestra cuando aparece.
Cinematografía.
Otra vez, Robert Richardson, a quien ya habíamos visto en Inglourious Basterds, hace de las suyas ese pillín. Gran camarografía, que nunca (y no creo que nadie lo haga) superará Kill Bill, sigue superando de todos modos otros trabajos que tuvo, considerando que es un western y no se da tanta cabida en paisajes y tomas panorámicas, mucho menos efectos visuales. Eso sí, la edición de Sally Menke (QEPD) se nota, y, aún cuando se ve el esfuerzo de Fred Raskin, le faltará algo de práctica para igualar el nivel de Menke, quien fue nominada dos veces al Oscar.
Secuencias.
Incluso cuando antes de ver la película me había convencido de que las mejores escenas se habían utilizado en el tráiler, no podía creer lo que mis ojos veían. Tantas secuencias buenas y geniales; incluso no hay tantas referencias, pero las que hay son bastante impactantes en lo visual.
Dirección.
Quentin Tarantino. Qué más puedo decir. El sujeto me impresiona siempre, pero como una amiga dijo una vez, "Si no amas a Tarantino, entonces lo odias", así que estoy seguro que no muchos compartirán la opinión de que Tarantino es el mejor director de la era. Más es inevitable pensar que él es el auteur definitivo, el director que sabe de mejor manera cómo plasmar su punto de vista en sus películas. A esto ayuda que él mismo escriba los libretos y el screenplay, claro, pero estamos de acuerdo que incluso en Jackie Brown, que no escribió, se observa la calidad y el estilo de Tarantino.
Música:
Diantres. Como también es común, Tarantino utiliza sus habilidades de DJ para hacer uso del soundtrack. Por si fuera poco, hay canciones originales que se llevan las palmas. Ancora Qui, con la participación de Ennio Morricone, quien siempre ha estado presente en sus películas, por fin una canción original del prolífico autor. 100 Black Coffins, de Rick Ross, y producida por Jamie Foxx, que habla del personaje de Django, un caza recompensas negro con heridas en su espalda que ha visto los horrores de la esclavitud y busca a su mujer. Y por último, Unchained. Aún cuando es un remix de Untouchable de 2pac, y The Payback de James Brown, el tema del trailer y probablemente el de la mejor escena de la película, incluso la mejor escena de las películas producidas el 2012. O de la década. Vaya riff de trompeta, y la guitarra, del más puro estilo Western, las frases al azar de Django. 'Spect me nigga, as you 'spect Jesus to come back.
Diálogos.
Es una película de Tarantino. ¿Hay que agregar algo, acaso? Los diálogos tienen la fuerza y sostienen toda la trama a lo largo de la película.
Contras.
La temática.
Era necesaria, y nadie se atrevía a tocarla. Por qué? Porque sólo los directores negros creen tener el derecho de hacer películas sobre esclavitud. No obstante no las hacen, pero si quieren que el resto del mundo comprenda que la esclavitud fue un holocausto. Si los judíos hacen ver los horrores de la segunda guerra mundial es por que cada año hay una superproducción de ello. No obstante, eso no ha detenido a directores negros de criticar la película, diciendo que era una burla a la masacre que representó la esclavitud, más sólo es por que él se atrevió a exponerla. (Y por que ningún director negro ha sido capaz de exponerla de manera tan magistral.)
Atractivos visuales.
El atractivo visual para hombres es Kerry Washington en el papel de Broomhilda VonShaft. Pues... eh... está bien, supongo. Y por supuesto, no hay nada más sexy que ver a una mujer siendo latigueada... (O_o)
Review. Spoilers Ahead.
DJANGO! Y con compases de Luis Bacalov, comienza el Western definitivo de los últimos tiempos. Y es que sólo Sergio Leone puede superar con sus revolucionarias películas y tremendos juegos de cámaras esta película.
Al ritmo de las cadenas que suenan en el tema caminan, vejados pero fuertes, los esclavos negros comprados por los hermanos Speck. En el manto de la noche, y en una sangrienta transacción, el Dr. King Schultz compra a Django, quien lo puede ayudar a identificar a tres forajidos conocidos como los hermanos Brittle. Siendo Schultz alemán, no compartía la idea de la esclavitud, y promete que liberará a Django después de matar a los hermanos Brittle, y le dará unos dólares y un caballo. Así pues, se dirigen a una plantación, donde un hombre, en lugar de ser su principal comercio el algodón, comercia con mujeres negras. Pero el plan no es comprar una mujer, sino acabar con los hermanos Brittle. Django, al verlos, recuerda como los torturaron a él y a su mujer, y es cegado por la ira. Así, mata con rencor a dos de los hermanos, con una de las escenas más inspiradoras de todas, donde mata, frente a los esclavos de la plantación, a Roger Brittle a balazos, luego de torturarlo con un látigo. Con los hermanos Brittle muertos, Django y Schultz parten de la plantación, con los de la plantación tras de ellos, con plan de matarlos. Una de las mejores escenas cómicas, seguida por la persecución a la solitaria carreta del dentista, que termina en una gran explosión, y el descubrimiento del talento nato de Django para manejar la pistola. Una vez que Django es libre, se propone buscar a Broomhilda. Pero Schultz, sintiéndose responsable por él, le ofrece un negocio para el que está hecho. Terminando el negocio, lo acompaña en la búsqueda de Hildi y se dirigen a Mississippi, para descubrir a dónde la vendieron. Así, viajan en búsqueda de Calvin Candie, el presunto dueño de la esposa de Django, un aficionado a las luchas de Mandingos. Entonces empieza la verdadera genialidad. Diálogos poderosos y fuertes, la aparición de Stephen, el mayordomo de Candie, un esclavo que considera que el lugar de los negros es a los pies de los blancos..., pensando eso por que ha visto miles de negros arrodillados.
Entonces el plan de Schultz y Django comienza a urdirse. Pero es descubierto por Stephen, obligando a Schultz, con lujo de violencia, a pagar doce mil dólares a cambio de Broomhilda, la negra correcta. Pero el Dr. King no puede soportar el racismo de Candie y lo mata. Estando guardado, su destino no es otro que ser destrozado por una escopeta. Django se aterra ante la escena y comienza a disparar en el mejor tiroteo de todos los tiempos. Pero esto no es Die Hard o Terminator, no señor. Django tiene gran puntería, pero falla y si no muere es por los cadáveres con los que se cubre. Oh sí, y de fondo, la canción Untouchable. Pero Django no es invencible. Y es por su Brunilda por quien cae, y entrega su vida por la de ella. Lo amenazan con la tortura.
Si aún no han visto la película, y están viendo esto de todos modos, les recomiendo que la vean en este punto. Es aquí donde se presenta LA MEJOR MUERTE DE TODOS LOS TIEMPOS.
Aquí un inter. En todas sus películas, Tarantino hace un cameo, y sólo en Pulp Fiction, Jackie Brown y Grindhouse sobrevive. En las demás, muere. He aquí un pequeño listado.
Reservoir Dogs: Con un tiro en la cabeza.
Kill Bill: Asesinado en la Casa de Hojas Azules
Inglourious Basterds: Soldado nazi asesinado por los Bastardos.
From Dusk Till Dawn: Vampiros.
Desperado: Tiro en la cabeza
Little Nicky (!): Muere en llamas.
En esta ocasión, además de ser el cameo más intrusivo que tiene, tiene la muerte más genial y envolvente de la historia del cine. Pensarán que la muerte de Darth Sidious, o la de Rorschach son más geniales, pero si comprenden que el espíritu que contiene esta muerte, sabrán que es la más genial del universo.
Luego, oh sí que sí. La venganza definitiva. Luego de matar a todos los blancos, mata a Stephen, por todo lo que hizo. O más bien, por lo que no hizo, de manera excepcional. Como crítico que soy, no pude evitar buscar la película en los internets, pero, luego de ver el final, decidí que lo veré varias veces en el cine.
No puedo esperar.
Escrito el 11 de enero del 2013.
Por DaCinemaCritic
miércoles, 5 de febrero de 2014
Humanidades y 24 fps.
En un espacio como este, en tres dimensiones, disfrutamos de las artes en dos dimensiones. Son menos confusas. Así que damos parte de este espacio al crítico de cine. Disfrutad.
En ella se encuentran excelentes actores; Alec Baldwin, Mark Wahlberg, Matt Damon, Leonardo DiCaprio y Jack Nicholson (que al caso es lo mismo; cada vez se parecen más), y la actuación sorpresa de Vera Farmiga, una muy buena actriz pero que no hace un buen trabajo como atractivo visual.
En la dirección, pues, no es necesario apuntarlo, el maestro Scorsese retoma su puesto como director de las grandes ligas, a la altura de De Palma y Coppola, como no lo había hecho desde Goodfellas, con Ray Liotta. Es curiosa la ausencia de Robert De Niro... pero su ausencia no se notó, gracias al magistral papel de Matt Damon, como doble agente y Leo DiCaprio como gatillo alegre que no respeta las reglas.
Pros:
La trama: A pesar de ser un remake, no pierde originalidad y mantiene interés desde el principio; siempre y cuando se vea desde el principio; si no pones atención, pierdes el hilo y parte de la misma se pierde por completo.
Las actuaciones: No se podía esperar más de un reparto hecho de monstruos del cine.como Jack Nicholson y Leonardo DiCaprio. Así mismo, el papel de Wahlberg y Farmiga son bastante decentes para no ser actores fuertes (Wahlberg fue nominado al Oscar por su actuación). Todos los demás, bien, aunque no resaltaban en gran manera. Pero el papel de Damon; ah, ese sí es un papel.
La dirección: Nada novedoso en Scorsese, nos entrega una joya de su trabajo, envuelta en oro y cubierta con platino.
Contras:
Atractivos visuales: Terminas de ver la película y sientes una sensación de suciedad interna. Todos los atractivos visuales son varones, lo que no tiene nada de malo... si la película fuera Magic Mike. Vera Farmiga... sólo no. No entrega nada, no es bonita, no es sensual; es sólo una señora que sabe actuar. No digo que sólo importe eso, más, también hay mujeres atractivas que saben actuar (Kate Winslet y Emily Blunt) y fueron consideradas para la película. Pero al parecer a Don Scorsese le pareció una buena idea poner una mujer fea y hombres viriles y atractivos en una película dirigida para público masculino. Y no se le puede adjudicar a su nación, Milla Jovovich es hermosa y son del mismo origen.
Lógica: ¿Eh? ¿Qué diablos sucede? Es decir, ¿qué? Es una película muy pesada; si no se tiene interés en verla, no se apreciará gran parte de ella.
Calificación:
En opinión de este soberbio crítico, la película recibe un 8.8/10. En opinión del humilde crítico, 9.4/10.
REVIEW: SPOILERS AHEAD.
En lo personal, nunca he sido un gran fan de Scorsese, por su visión fantasiosa e italiana del crimen. Esta película, fue mi primer acercamiento real a su trabajo. No me gustaba al principio, pero a fuerza de repetición - la transmitían cada dos sábados en señal abierta - me llegó a gustar al punto de ser de mis favoritas.
De entrada, el culto al mafioso italiano, al que el director le succiona el falo, se revela desde el inicio, donde vemos a un Sullivan de niño inclinándose ante Costello de rodillas, limpiando sus zapatos con la lengua, justo como en Goodfellas y luego, la escena de infiltración; sólo falta que Costigan use un traje negro con corbata para que sea Reservoir Dogs. Pero un gran toque es la banda sonora del intro.
Frank Costello tiene que ser uno de los mafiosos menos atemorizantes del cine. Incluso intentando relacionarlo con el psicópata de The Shining, es imposible infundir respeto con pantalones deportivos y pareciendo un white boy simulando ser un gangsta' de color. NEGRO. Aún así, mantiene un aura de gángster todopoderoso hasta la parte donde su red de intriga cae. Y muere.
¿Qué sucede con la psicóloga? Nunca en mi vida había visto un papel tan absurdo. No sólo es suficientemente profesional como para acostarse con un paciente, sino que lo engaña con otro paciente mentalmente inestable a quien proporciona drogas ilegales.
La muerte de Queenan. ¿Por qué? ¿Por qué lo matan? Es un gran personaje, no era necesario que muriera. Con sólo quedar inválido hubiera sido más que suficiente. Eso sí, la secuencia donde cae frente a Costigan es lo mejor, donde lo vemos cubierto de la sangre del policía, con un significado vagamente simbólico.
Los chicos rudos al servicio de Costello. Sólo eso son, no tienen fuerza ni participación importante. Los matan sin más ni más y es todo su papel. No entiendo como Costello mantenía su red criminal con semejantes don nadies; más le valía tener niños de 5 años. Son más baratos.
Los chips. ¿Qué pasó con ellos? ¿Qué sucedió? No es parte esencial de la trama, pero merecemos saber.
El final. ¿Eh? Ah... ya entiendo, era por que... no... ¿Eh? ¿Qué demonios sucede ahí? Sullivan no limpia las huellas de la pistola que usa para matar a Fulanito, y de todos modos le creen su mentira. Creo que termina esa película y empieza I am legend, por que todos mueren. Y estoy seguro de que si hay una secuela, como se anunció, también matarán a Dignam. La rata simboliza a los soplones. Los bagels simbolizan la vacía vida de los topos.
FIN.
Por DaCinemaCritic.
Infiltrados en el cerebro.
The Departed, una gran obra de Martin Scorsese, y, por ser del señor Scorsese, trata sobre crimen e italianos, nos presenta un mundo circular, plagado de argumentos circulares de de una trama circular. Aún así, podría considerarse una obra maestra.En ella se encuentran excelentes actores; Alec Baldwin, Mark Wahlberg, Matt Damon, Leonardo DiCaprio y Jack Nicholson (que al caso es lo mismo; cada vez se parecen más), y la actuación sorpresa de Vera Farmiga, una muy buena actriz pero que no hace un buen trabajo como atractivo visual.
En la dirección, pues, no es necesario apuntarlo, el maestro Scorsese retoma su puesto como director de las grandes ligas, a la altura de De Palma y Coppola, como no lo había hecho desde Goodfellas, con Ray Liotta. Es curiosa la ausencia de Robert De Niro... pero su ausencia no se notó, gracias al magistral papel de Matt Damon, como doble agente y Leo DiCaprio como gatillo alegre que no respeta las reglas.
Pros:
La trama: A pesar de ser un remake, no pierde originalidad y mantiene interés desde el principio; siempre y cuando se vea desde el principio; si no pones atención, pierdes el hilo y parte de la misma se pierde por completo.
Las actuaciones: No se podía esperar más de un reparto hecho de monstruos del cine.como Jack Nicholson y Leonardo DiCaprio. Así mismo, el papel de Wahlberg y Farmiga son bastante decentes para no ser actores fuertes (Wahlberg fue nominado al Oscar por su actuación). Todos los demás, bien, aunque no resaltaban en gran manera. Pero el papel de Damon; ah, ese sí es un papel.
La dirección: Nada novedoso en Scorsese, nos entrega una joya de su trabajo, envuelta en oro y cubierta con platino.
Contras:
Atractivos visuales: Terminas de ver la película y sientes una sensación de suciedad interna. Todos los atractivos visuales son varones, lo que no tiene nada de malo... si la película fuera Magic Mike. Vera Farmiga... sólo no. No entrega nada, no es bonita, no es sensual; es sólo una señora que sabe actuar. No digo que sólo importe eso, más, también hay mujeres atractivas que saben actuar (Kate Winslet y Emily Blunt) y fueron consideradas para la película. Pero al parecer a Don Scorsese le pareció una buena idea poner una mujer fea y hombres viriles y atractivos en una película dirigida para público masculino. Y no se le puede adjudicar a su nación, Milla Jovovich es hermosa y son del mismo origen.
Lógica: ¿Eh? ¿Qué diablos sucede? Es decir, ¿qué? Es una película muy pesada; si no se tiene interés en verla, no se apreciará gran parte de ella.
Calificación:
En opinión de este soberbio crítico, la película recibe un 8.8/10. En opinión del humilde crítico, 9.4/10.
REVIEW: SPOILERS AHEAD.
En lo personal, nunca he sido un gran fan de Scorsese, por su visión fantasiosa e italiana del crimen. Esta película, fue mi primer acercamiento real a su trabajo. No me gustaba al principio, pero a fuerza de repetición - la transmitían cada dos sábados en señal abierta - me llegó a gustar al punto de ser de mis favoritas.
De entrada, el culto al mafioso italiano, al que el director le succiona el falo, se revela desde el inicio, donde vemos a un Sullivan de niño inclinándose ante Costello de rodillas, limpiando sus zapatos con la lengua, justo como en Goodfellas y luego, la escena de infiltración; sólo falta que Costigan use un traje negro con corbata para que sea Reservoir Dogs. Pero un gran toque es la banda sonora del intro.
Frank Costello tiene que ser uno de los mafiosos menos atemorizantes del cine. Incluso intentando relacionarlo con el psicópata de The Shining, es imposible infundir respeto con pantalones deportivos y pareciendo un white boy simulando ser un gangsta' de color. NEGRO. Aún así, mantiene un aura de gángster todopoderoso hasta la parte donde su red de intriga cae. Y muere.
¿Qué sucede con la psicóloga? Nunca en mi vida había visto un papel tan absurdo. No sólo es suficientemente profesional como para acostarse con un paciente, sino que lo engaña con otro paciente mentalmente inestable a quien proporciona drogas ilegales.
La muerte de Queenan. ¿Por qué? ¿Por qué lo matan? Es un gran personaje, no era necesario que muriera. Con sólo quedar inválido hubiera sido más que suficiente. Eso sí, la secuencia donde cae frente a Costigan es lo mejor, donde lo vemos cubierto de la sangre del policía, con un significado vagamente simbólico.
Los chicos rudos al servicio de Costello. Sólo eso son, no tienen fuerza ni participación importante. Los matan sin más ni más y es todo su papel. No entiendo como Costello mantenía su red criminal con semejantes don nadies; más le valía tener niños de 5 años. Son más baratos.
Los chips. ¿Qué pasó con ellos? ¿Qué sucedió? No es parte esencial de la trama, pero merecemos saber.
El final. ¿Eh? Ah... ya entiendo, era por que... no... ¿Eh? ¿Qué demonios sucede ahí? Sullivan no limpia las huellas de la pistola que usa para matar a Fulanito, y de todos modos le creen su mentira. Creo que termina esa película y empieza I am legend, por que todos mueren. Y estoy seguro de que si hay una secuela, como se anunció, también matarán a Dignam. La rata simboliza a los soplones. Los bagels simbolizan la vacía vida de los topos.
FIN.
Por DaCinemaCritic.
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